Reviviendo el Pánico Satánico

Pocas cosas más ochenteras que el miedo al diablo, sin (?) El concepto de “pánico satánico” fue una especie de histeria colectiva que se gestó en Estados Unidos y se esparció por el mundo mediante la cual se generaron denuncias de abuso o crímenes gestados en supuestos rituales satánicos, la gran mayoría infundadas y sostenidas bajo la idea de una enorme y siniestra conspiración mundial reunida en la adoración al príncipe de las tinieblas. La misma desapareció con el fin del Siglo XX.

Con este contexto pasamos a hablar de “Hysteria!”, la serie que en Latinoamérica está siendo transmitida por la plataforma MAX (antes HBO Max) y consta de 8 apasionantes capítulos. La historia se ambienta en 1989, durante el apogeo del Heavy Metal, género de rock que se ha visto hasta la actualidad relacionado con la adoración satánica y cuyo eje narrativo es principalmente la música.

 

Y esto podemos advertir desde cómo se titulan los capítulos homenajeando temas del género o ni tanto, desde el mismo “Hysteria” (Def Leppard), Heaven’s on Fire (KISS), Can I Play with Madness (Iron Maiden) o títulos más nuevos como “dance macabre” de los suecos Ghost. La historia inicia a partir de una banda de rock (Dethkrunch) de adolescentes (Emjay Anthony, Chiara Aurelia, Kezii Curtis) que al buscar mayor difusión trataron de hacerse pasar por adoradores del diablo, técnica de mercadeo (?) que de hecho fue adoptada por algunos grupos durante aquella turbulenta época. Dicha estrategia les juega en contra al terminar siendo vinculados con un crimen, pero les juega aún más a favor gracias a ese escándalo y a una fama que a la larga nada tenía que ver con muchachos de hecho tranquilos.

Sin embargo, los ejes narrativos van mucho más allá de la música y de otra de tantas series retro de adolescentes que abundan en estos tiempos para captar adolescentes eternos entre el público. Bien podría encasillarse como serie policiaca, más también cae en las conspiraciones y en temática sobrenatural un poco parecida a “Stranger Things”. Todos esos elementos hacen a la serie muy dinámica y a pesar de la longitud de los capítulos, que suele bordear la hora, en general se pasan muy rápido.

Se trató de una opción muy real para recrear los Estados Unidos de los 1980s, una época muy conservadora en la que de hecho las producciones mediáticas buscaban idealizar el “American Way of Life”, con apacibles suburbios, familias perfectas y una dinámica juvenil que enfrenta a los populares (Jessica Treska, Elijah Richardson) con los “bichos raros”. Acá lo interesante es que el punto en el que confluyen populares con raros es el satanismo, mostrado también como una expresión de rebelión juvenil, Claro, acá nos llevaríamos más de una sorpresa al ver quién se tomaba el culto en serio y quién no.

 

Las series con protagonistas adolescentes suelen enfatizar las brechas generacionales, en este caso la religión es un factor importante en el cual el tema del demonio como opositor del Dios cristiano es innegociable para generaciones pasadas, pero que no es tomado tan en serio al menos como opositor para las generaciones desde la X en adelante. Obviamente se habla de estas diferencias con la música y con las culturas urbanas, pues vemos como los padres de los chicos eran parte de la cultura hippie. El romance, la amistad y las cosas que se es capaz de hacer por las mismas también son expuestas.

Esta serie es muy recomendable para: nostálgicos, melómanos, cultores de las temáticas de misterio y suspenso. La ambientación ochentera con ropa, peinados y tecnología es muy bien lograda, merece ser vista.

Cobra Kai: Redención

Finalmente en este inicio de 2025 una de las series más exitosas de Netflix llegó a su fin: Cobra Kai tras 6 temporadas dio prácticamente todo lo que sus fans quisieron y pidieron en uno de los cierres más emotivos de la historia de la televisión. Ojo, podríamos incurrir en spoilers.

Hablamos de redención como la temática principal de la serie, la cual se refuerza en muchos personajes y niveles en la temporada final. Empezando por la serie en sí, la cual empezó fungiendo como la alegría de un público complicado por la pandemia pues las temporadas solían estrenarse a finales de año y consolando esos aciagos días, pero en temporadas intermedias la trama empezó a enredarse y meterse en situaciones innecesarias que de hecho bajaron su calidad y expectativa. Aunque podríamos decir que todo valió la pena al llegar al cierre.

Habíamos hablado que el inicio constituía en una redención para Johnny Lawrence (William Zabka), pues enseñando karate había logrado dar un sentido a su vida. En estos episodios finales el bueno de Johnny se convertido en un adulto funcional dispuesto y capaz de conducir una familia encontrando esa relación filial en la familia de su discípulo Miguel. También logró una relación armoniosa con su hijo Robbie, la cual fue conflictiva a lo largo de la serie. Lógicamente el desenlace con victoria del “Sekai Taikai” frente al Sensei Wolf de los temibles Iron Dragons lo redime como competidor y lo asienta como maestro.

 

Pero en todo el camino de redención de Lawrence hay un momento muy especial que ocurre en el antepenúltimo episodio que es su último encuentro con el Sensei Kreese, aquel que fue su maestro y modelo a seguir en su adolescencia, relación que en la película se rompe tras el desprecio de este último luego de la derrota de Johnny ante Daniel Larusso. Kreese finalmente obtiene el perdón de Johnny y un emotivo abrazo sana heridas que en aquel universo habían influido sensiblemente en la errática vida de Lawrence antes de la reapertura de Cobra Kai. Kreese también obtiene la redención final sacrificándose tras frustrar los plantes de Terry Silver de sabotear a Cobra Kai. Silver, malo entre los malos, iba teniendo un agonizante final.

Existe una redención en Daniel Larusso (Ralph Macchio), pues ciertamente se convirtió en un personaje odioso que por sus traumas juveniles veía a Cobra Kai como la representación del mal para su comunidad, pero termina aceptando la esencia de su filosofía y es un soporte para Johnny. Punto aparte para las sesiones finales de entrenamiento que sin duda evocaron a la saga de Rocky, otro ícono de la cultura popular de los 1980s que combina las artes de combate con la superación personal y preservación de valores familiares y de amistad. Finalmente su esposa acepta al karate como parte de su vida, algo que le costó mucho a lo largo de la serie.

El desenlace trae redención a Tory Nichols (Peyton List). Uno de los personajes más complejos y carismáticos de la saga. Recordemos que se posiciona como antagonista de Sam Larusso entre intereses románticos y como símbolo de lo opuesto a la hija de Daniel, pues como hija de un hogar carente y disfuncional ha peleado duro por todo lo que tiene, lo que la proveyó de un carácter muy fuerte. Anteriormente había ganado el título de All Valley gracias a una maniobra fraudulenta del Sensei Silver, pero ahora su victoria ante la letal Zara Malik limpia cualquier atisbo de deshonra. Sam Larusso cede su puesto en semifinales ante Tory y junto a Daniel dejan la enseñanza de saber retirarse cuando es necesario.

Finalmente vamos con Miguel (Xolo Maridueña). Aquel chico timorato que se convirtió en la gran estrella del karate y cuyo personaje ciertamente se estancó en tramas propias de producciones infanto-juveniles. Sin duda él debía ser quien cierre el torneo y triunfe en conjunto con Johnny, su mentor. Las peleas de Cobra Kai vs los Iron Dragons también evocaron a Rocky, pues el invencible Axel Kovacevic tenía su deje a Iván Drago, además de lo misterioso y exótico del Dojo, tal cual dicho rival de Balboa. Miguel sana la rivalidad con Robbie y comienza el vínculo de hermandad, tal vez ver un Robbie roto y vencido fue lo menos justo del cierre.

La producción finalmente se redime con el nombre en sí de la serie. No era posible que si la producción se llama “Cobra Kai” la serie haya tomado rumbos donde su nombre se manche o desaparezca. Quizás eso tuvo un propósito para su victoria final como Dojo en el Sekai Taikai y los triunfos de Tory, Miguel y Johnny.

En Cobra Kai vimos como un villano y perdedor pasó a ser un héroe y ganador. Los mensajes de perseverancia y solidaridad la hacen bastante sana. La inspiración acerca del trabajo duro y enfocarse en el camino de lo que realmente se quiere bien pueden haber marcado nuevas generaciones. La serie concluyó, pero de verdad: ¡Cobra Kai nunca muere!

Argentina ’78 ¿Se Dijo Todo lo que se Tenía que Decir?

En las últimas semanas del 2024 se estrenó el documental “Argentina ‘78” por la plataforma Disney Plus. El mismo consta de 4 capítulos y bien podría tomárselo como una miniserie.

La historia del fútbol y de su evento más icónico que son los Mundiales de selecciones tiene capítulos de gloria más también de polémica y la edición de 1978 se lo cataloga dentro de los segundos por motivos futbolísticos, pero también por temas políticos siendo quizás este el último mundial en el que ese tema rondó el desarrollo de la competición.

Esta producción justamente arranca con la controversia política. Argentina había sido nominada sede de dicha competencia desde 1964, pero la planeación de la misma no tuvo la anticipación deseada. Por otro lado, desde 1976 una Junta Militar tomó el poder de esta nación y sus abusos sobre los Derechos Humanos eran bien conocidos, quizás mejor en el resto del mundo que al interior de su país. Entonces vemos una primera parte donde se contextualiza la organización del torneo, la disputa de criterios para lo misma o sobre si se debía realizar en Argentina siquiera.

Por un lado se relataba los apuros y problemas para llevar a cabo las obras pertinentes, por otro el relato de gente que fue perseguida por el Estado durante aquellos días y que tuvieron la tarea del seguimiento del torneo en aquella atípica y tenebrosa condición de retenidos contra su voluntad. Estos testimonios son algo que poco y nada se ha escuchado o leído dentro del relato del Mundial de 1978 y constituyen un rico aporte para entender las extrañas circunstancias de esta copa por las cuales por ejemplo un campeón del Mundo como Paul Breitner se excusó de participar.

Después llegan los capítulos que se remiten al juego con la designación de Director Técnico de la selección Argentina de César Luis Menotti. Las intervenciones del “flaco” en el documental son oro puro no solo por su conocida elocuencia, sino porque caíamos en cuenta que recientemente había fallecido y quizás se captaron sus últimas palabras al respecto. El relato sobre el exhaustivo trabajo por toda la geografía del país para conformar al plantel anfitrión es emocionante y como si hubiera sido concebido por un guión, los traspiés en la preparación y ya con el mundial en marcha pintan un toque de heroicidad.

Un futbolero de cepa tiene muy presente en la memoria que Argentina perdió 1-0 ante Italia en la Fase de Grupos del Mundial, por lo que resignó un segundo puesto que lo trasladaba a jugar la siguiente fase a la ciudad de Rosario. Se relata la comunión de la selección con el pueblo rosarino y la especial conexión con su DT precisamente rosarino. Como por fin parecía cuajar la idea de juego en la victoria 2-0 ante Polonia, el concierto de patadas del 0-0 ante Brasil y finalmente el juego con Perú…

La polémica por excelencia de este mundial es aquel duelo entre argentinos y peruanos que terminó 6-0 a favor de la albiceleste, tomando en cuenta que el anfitrión necesitaba una diferencia de 4 para clasificar a la gran final. Los testimonios más interesantes son los de los ex seleccionados peruanos José Velásquez y Ramón Quiroga. El primero más de una vez ha señalado que conoce que 6 compañeros suyos fueron sobornados sin ser su testimonio de total credibilidad, el segundo siempre fue centro de polémica por ser el portero y haber nacido en Argentina. Por otro lado, los seleccionados argentinos campeones del 78 simplemente dicen que fueron demasiado superiores. Si se repasa dicho partido quizás no se puede demeritar la palabra de los antiguos seleccionados albicelestes, aunque más de un gol tiene sensación a error lamentable del rival.

De nuevo aparecería el contexto político: ¿Qué hacía Videla en los vestuarios ese día? ¿Qué hacía Henry Kissinger en los vestuarios ese día? La presencia de estos personajes se la describe cuando menos de incómoda. Argentina había llegado a la final ante Países Bajos. Periodistas neerlandeses que llegaron a cubrir el mundial se llevaron otra historia aparte del fútbol y era el testimonio de las Madres y Abuelas de Plaza de Mayo que expusieron al mundo la realidad de sus hijos desaparecidos y familias destrozadas en tiempos de dictadura. Finalmente estos cronistas habrían hecho un servicio más importante que el de una cobertura deportiva. También vale la pena decir que al documental se le advierte la orientación política favorable a un lado.

 

El último capítulo trata de la final oficiada en el Estadio de River Plate de Buenos Aires. La historia muy bien conocida del gol de Mario Kempes, el empate naranja de Dick Nanninga, la pelota en el travesaño que heló a un país, los tiempos extra y el otro gol de Kempes y el 3-1 final de Daniel Bertoni que hicieron por primera vez Argentina campeona del Mundo. Se puede escribir esto de memoria, más rememorarlo sigue siendo emocionante y más en voces protagonistas.

En el documental “Argentina ‘78” se tuvo las voces de los que lo vivieron, de los rivales, de periodistas testigos y de quienes fueron afectados por el gobierno de la época. Faltaron ciertamente las voces de ese régimen que ciertamente iba a ser difícil que comparezcan, pero prácticamente se dijo de todo. Como documental de historia del fútbol y de América Latina en general, es bastante recomendable de ver.

Senna: La Serie de Pasión y Nostalgia

En los últimos días en la plataforma Netflix se estrenó la esperada serie biográfica que relata la vida de Ayrton Senna, el mítico piloto brasileño tricampeón de Fórmula 1 quien perdió trágicamente la vida mientras competía en 1994.

Se trató de una ambiciosa producción con presupuesto de 170 millones de dólares planeada mayormente en Brasil y en 6 capítulos conduce al espectador por la exitosa carrera del ídolo del automovilismo, la misma que no solo se remitió exclusivamente a las competencias, pues su vida en paralelo a su profesión tuvo conflictos con los que cualquiera en el orden común du sus vidas puede identificarse.

Fue un alivio que la serie dramatizada y que desde luego tuvo licencias de ficción, cumpla con los momentos históricos de la carrera de Ayrton: sus inicios en Fórmula Ford y el paso en los años correctos de Toleman a Lotus, McLaren y finalmente Williams, pero a su vez esto no tuvo el sabor de un aburrido documental, mas bien el drama estuvo respaldado por la rigurosidad histórica que es algo que los adeptos a la historia, del deporte en este caso, no suelen perdonar.

 

En cada capítulo vimos a Senna lidiando con un problema distinto. Su feroz competitividad lo puso entredicho en la Fórmula Ford y más tarde se gestaría su ya legendaria disputa con otro de los grandes campeones de esos tiempos: Alain Prost. Sus roces con el periodismo que se direccionaron hacia un personaje ficticio: la reportera Laura Harrison interpretada por Kaya Scodelario. Pero sobretodo, y lo que quizás le dio más picante a la serie, fueron sus diferencias con las autoridades de la competición y directores de equipos.

Justamente la exploración del lado humano de Senna lo crucial de la serie. Los enfrentamientos con las autoridades resaltaron una valentía que no solo se expresaba en las pistas. Sus diferencias se originaban en el reglamento y lo que él sentía como un perjuicio a sus actuaciones, pero luego los mismos tuvieron que ver con la seguridad para los competidores y se lo enfoca como su gran legado. Hubo tiempo para hablar de un Senna cercano a la gente más allá de haber nacido en un sector ciertamente privilegiado de Brasil. Atento a sus fans, dispuesto a la obra social y de preferentemente vida familiar por sobre el sórdido mundo de la farándula.

Entre los puntos altos de la producción fue el recrear lo más fielmente posible looks característicos como los de los pilotos Alain Prost o Niki Lauda. Más aún el del icónico periodista brasileño Galvão Bueno personificado por Gabriel Louchard o el de Xuxa, la amada presentadora de programas infantiles, a cargo de Pâmela Tomé y que decir del propio Ayrton con su peinado entre prolijo y desprolijo con la actuación de Gabriel Leone. La ambientación en cuanto a moda y música de los años 1980s y 1990s es impecable. Muy bien escogido el tema “Simply The Best” de Tina Turner

Para los estrictos apasionados del automovilismo, las secuencias de carreras son magníficamente logradas logrando el vértigo necesario para ver las maniobras de rebasamientos y disputas en general de lugares, así como accidentes. En este caso los primeros planos toman un rol crucial haciendo un exquisito juego de edición rotando entre tomas externas de las máquinas y las maniobras de pies y manos de los conductores. Absolutamente imperdible.

La serie es absolutamente recomendable para aficionados y nostálgicos. Ciertamente no deja de romper el corazón el inevitable momento en el que el ídolo pierde la vida, sin duda un trauma generacional. Es satisfactorio que una producción mayormente latinoamericana haya estado así de bien lograda.

El Pingüino: El Ascenso del Mal

 

Se transmitió la Primera Temporada de la serie “The Penguin” (El Pingüino) a través de HBO y su plataforma MAX. La misma que es basada en uno de los célebres villanos del Universo de Batman y se puede decir que ha sido la gran apuesta de DC Comics para este 2024.

Esta producción consta de 8 episodios con una simpática opción de tener comentarios extras después de que finalizan cada uno de ellos explicando lo que quisieron comunicar incluso con la iluminación, planos y tomas (muy didáctico para estudiantes y profesionales de producción audiovisual), seguramente advertidas inconscientemente por los espectadores de esta producción que mezcla el thriller psicológico y policial como suele ser todo lo relacionado al hombre murciélago y sus personajes.

La serie trata de explicar el ascenso como un gran capo criminal de Oswald Cobb en medio de la eterna guerra entre las familias mafiosas Falcone y Maroni. “Oz” es interpretado brillantemente por Colin Farrell haciendo una transformación brutal de su aspecto que obviamente requirió mucho trabajo de maquillaje. “Oz” es retratado como un sujeto muy inteligente y audaz. Manipulador y despiadado. Como en la mayoría de publicaciones con el personaje de “el Pingüino”, su relación con su madre contiene un lazo fuerte y explica motivaciones y comportamientos en general.

Su mayor contraparte es Sofia Falcone Gigante, interpretada por Cristin Milioti. La hija del legendario mafioso Carmine Falcone, pero busca su propio camino cuando justamente esta serie arranca con la muerte del viejo Carmine. En este caso la actriz construye pulcramente la imagen de una persona psicótica que ha llegado a un punto demasiado bajo en su alma y especialmente hay un capítulo donde se puede seguir su transformación que incluye descensos profundos a la locura.

Bien podría decirse que el principal tema es los trastornos mentales, principalmente la psicosis tanto de Oswald como de Sofia, lo que se traduce en la astucia de sus planes, así como en su despiadado accionar. También se la revisa en la demencia de Frances, la mamá de Oz, quien sufre “demencia con cuerpos de Lewy” y cuyas alucinaciones por momentos contextualizan los relatos. En cierta medida el tartamudeo de Victor Aguilar, quien se convierte en joven ayudante de Pingüino, es un trastorno, pues se activa en momentos de estrés.

Esta serie también se basa mucho en las relaciones familiares. En todas las versiones del personaje “Pingüino”, la relación con su madre es decididamente influyente y generalmente apegada. La guerra entre clanes Falcone y Maroni con sus permanentes juegos de lealtades, traiciones y violencia que llevan a Sofia a pensar en una nueva conducción, haciendo un guiño también con la problemática del machismo y los nuevos tiempos. La familia de Victor y su calamidad tocan el tema de la marginalidad en la ya icónica Ciudad Gótica.

Justamente en esa marginalidad toma forma la serie, con las descarnadas pero quizás acertadas reflexiones de Oswald sobre la supervivencia, además del resentimiento que se fragua en un segmento de la sociedad que se ve desplazado y con ello el resentimiento que es el sentimiento fundacional de los problemas sociales. También esa marginalidad puede ser un refugio. Lo es para Oz y para Victor y también se contrapone al personaje de Sofia, ya nacida en un entorno aunque criminal, de todas formas privilegiado.

La producción tiene una colección de fantásticas tomas en las que destacan contra picados y planos aberrantes que hacen énfasis en el peligro y la maldad, así como la iluminación que endurece a discreción ciertos rasgos. La música escogida algunas veces dentro de conocidos temas populares ayuda a la atmósfera de oscuridad. Todo esto ha catapultado a la serie a ser uno de los grandes sucesos mediáticos del año, con gran expectativa en la temporada de premiaciones.

The Substance: La Imagen Siempre Será Todo

Juventud versus experiencia. Un dilema tan antiguo como álgido, pero que en el mundo del espectáculo se inclina por lo primero porque lógicamente lo que se vende por sobre todas las cosas es la imagen. Este dilema es el explota una de las mejores películas recientemente estrenadas: “The Substance” (La Sustancia).

La trama se desenvuelve en aquel antiguo y eterno anhelo humano: la búsqueda de prolongar la juventud. Para esto se acude a 2 actrices que encarnar el mismo personaje o quizás el mismo concepto de persona, según los preceptos de la película: una belleza ya clásica como Demi Moore y una emergente como Margaret Qualley. Ambas encarnan lo despiadado del mundo de la pantalla cuando a la alguna vez todopoderosa estrella que encarna la protagonista de “Ghost” o “Striptease” se le busca reemplazo, pues el ocaso de su imagen resulta inminente.

El tema central de esta película es la ambición, y qué mejor que ilustrarla en el mundo del espectáculo donde la codicia y la crueldad puede ir de la mano. Está la ambición de los productores y ejecutivos del programa que buscan reemplazar a Elisabeth Sparkle, la aparentemente intocable estrella de años que la metáfora de su nombre en el icónico paseo de la fama de Hollywood viéndose desgastado mientras el tiempo pasaba y la pérdida de juventud equivale a pérdida de rating e ingresos.

La vanidad y la búsqueda de la eterna juventud fuerzan a Elisabeth a transformarse en “Sue”. Esa joven versión pasa inmediatamente a ser un éxito y es cuando parece que esa juventud también está acompañada de la poca habilidad de medir consecuencias y la ambición le llevará por un viaje de desgaste que vuelve apasionante a la película. Es una buena conclusión el mostrar los oscuros lugares a los que puede llevar la ambición mal manejada.

La sustancia ironiza mucho de lo que engloba al mundo de Hollywood y el estrellato. Empezando por el secretismo, ya que “La Sustancia” es básicamente un proyecto sumamente confidencial en el que la atención al “cliente” raya en el anonimato, muy escueta e impersonal. La hipocresía también es retratada en la manera como Elisabeth con y sin intención se va enterando de lo que realmente se piensa de ella y su ocaso como figura pública.

Ciertamente no es una película para público sensible, principalmente por los efectos especiales que se utiliza para los procesos de transformación y degradación corporal que son bastante crudos aunque utilizados con justeza irónica. Ciertamente impacta ver que Demi Moore “ya no sea lo que era”. Seguramente se consintió eso por parte de la actriz y maquillaje ciertamente debe haber exagerado esos detalles, así como se confesó que se lo hizo con el cuerpo de Margaret Qualley pero en efecto contrario, pues luce absolutamente impecable. Las tomas de planos cortos y detalle pueden ser muy sugerentes.

A pesar de tener una temática y estética muy americanas, “The Substance”, es una película europea, de producción británica y francesa, dirigida y escrita por la cineasta francesa Coralie Fargeat, conocida por dirigir la película “Revenge” de 2017. En el Festival de Cannes recibió el premio a mejor guión. Se distribuye bajo la plataforma MUBI.

Retrato de Una Vida Bien Vivida

Se trata de una serie que por su presentación podía ser del interés del futbolero promedio, pero bien podría ser vista por cualquier espectador, de hecho, incluso podría ser más del gusto de quienes no siguen a la pelota con cuidado. La serie “Coppola, El Representante” se está transmitiendo por la plataforma Star + y ha levantado revuelo.

 ¿Qué tan grande fue el impacto de Diego Maradona en la historia del fútbol? Fue tan grande que incluso el nombre de su representante era ampliamente conocido en el mundo. Siempre se supo que Guillermo Coppola era un sujeto cuando menos excéntrico y su nombre se asociaba muchas veces a los excesos de Diego. Sin duda sus historias daban como para alimentar a una producción dramática y el resultado ha sido claramente exitoso.

Claro está, la serie está absolutamente orientado a Coppola como protagonista, quienes estaban buscando un enfoque más Maradoniano pueden haberse decepcionado y acá viene la polémica, pues hay voces que sostienen que el 10 queda mal parado en esta producción, que queda una imagen de un “boludo” hablando en terminología rioplatense, a pesar que en la práctica Diego no asoma, pues no hay nadie personificándolo a pesar de que varias de las historias contadas parten de una situación que involucraba al astro argentino.

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Lo cierto es que la historia es envolvente, que se sitúa en diferentes contextos históricos que son ilustrados a partir de los elementos característicos de cada año. Cada capítulo se dedica a algún año desde los 1980s, pasando por los frívolos 1990s argentinos hasta inicios de Siglo XXI y había que prestar a detalles clave como la tecnología en comunicaciones y medios, la cual siempre enlazaba a Coppola con Diego. Además que la edición era muy ingeniosa y precisa para envolver al espectador con la época en la que se desarrolla cada uno de dichos capítulos.

 Claramente hay que destacar la actuación de Juan Minujín en el papel de Guillermo Coppola volviéndolo un personaje absolutamente entrañable poniendo mucha sazón al mismo, pues lo provee de un carisma que tranquilamente podría ser superior al del original. Al espectador seguramente le sacará más de una sonrisa el ingenio y las ocurrencias del representante para conseguir lo que quiere y para procurar que Maradona sea tratado a la altura de su majestad histórica y más. Diego no solo se trataba de un deportista de élite, sino como una estrella de rock. Sus desventuras y momentos más bajos también son contados desde un punto de vista favorable a su persona.

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La conclusión es que “Coppola”, la serie, hace quedar muy bien a Guillermo, porque construye un personaje querible y aspiracional, al cual se le celebra y hasta perdonan los desatinos, mientras que la imagen de Maradona no lo es tanto. No deja de ser eso una apuesta arriesgada en Argentina, donde los nombres “Diego Armando” son básicamente sagrados.

¿Felicidad o Victoria?

Es un aparente dilema que plantea la película “Next Goal Wins” o traducido para América Hispana como “Gol Gana”, que es basado en hechos reales. De hecho, es basado en un documental británico que cuenta con el mismo título y habla de la campaña de Samoa Americana rumbo al Mundial de 2014 y que se presentó en dicho año. La película ahora está disponible en la plataforma Star +.

Como antecedente, vale la pena señalar que a inicios de Siglo XXI la selección de Samoa Americana era la peor del mundo no solo en términos subjetivos, sino que en verdad en el ranking FIFA aparecía en el fondo y su nombre había dado la vuelta al mundo de la peor manera posible, pues en las eliminatorias rumbo al Mundial 2002 habían sido derrotados 31-0 por Australia. Situaciones como esa motivaron a los “socceroos” considerar mudarse a la Confederación Asiática en la que actualmente juegan, pues eso les ofrecía un espectro más competitivo.

Pero lejos de la solemnidad de un documental, la película estrenada en 2023 tiene más bien varios toques de comedia, de hecho, si usted arranca a verla pensará que en cualquier rato aparece Adam Sandler en pantalones cortos. Es de ese corte de humor, mas también incurre en muchos momentos emotivos, probablemente a partir de la ficción. La reflexión basa en el choque de dos filosofías a la hora de encarar el deporte y quizás la vida misma. La diversión versus el profesionalismo.

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Ciertamente se retrata lo que de hecho pasa con muchísimas selecciones nacionales federadas en FIFA, que las mismas están integradas por jugadores que no son únicamente profesionales del fútbol, sino que tienen otras ocupaciones y que el fútbol es casi un hobby. Lógicamente que este tipo de equipos siquiera integren un torneo continental es una hazaña. Pero dichas diferencias suelen ser observables en casi todas las confederaciones quizás CONMEBOL (por eso quien escribe la considera como la más interesante). Y sin embargo, esto va más allá del profesionalismo.

Cuando llega DT Thomas Rongen (interpretado por Michael Fassbender), advierte una serie de costumbres como la religión, que conduce buena parte de la vida del samoano a tal punto de hacerle parar sus actividades en virtud de su observación, cosa que desde luego al DT le parecía disparatada. Al tratar de alterar esta costumbre sería cuestionado por si vale la pena cambiar una forma ancestral de ser por una victoria. Lo que tal vez es el tema principal de la película.

Un tema transversal importante en la película y que debido al auge del mismo bien puede a poner a pensar a más de uno sobre si es ficción o no es el abordaje hacia la población LGBTI+. Acá es cuando nos enteramos del concepto de “Fa’afafine” que en la cultura samoana y polinésica se acepta como un tercer género. Así es como se define Jaiyah Saelua, quien fue la primera persona transgénero en competir en una contienda FIFA. Obviamente se iba a destacar su rol en el juego cumbre presentado en la película ante Tonga. Jaiyah es interpretada por la actriz neozelandesa Kaimana.

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Más allá de la comedia, a veces burda del film. El mismo, dirigido por el neozelandés Taika Waititi, presenta a la búsqueda de la motivación como una vía de varias ramas, cuando el factor cultural influye mucho. Pero partiendo de no tener nada, ya sea perder su apoyo familiar o profesional en el caso del DT o de ser comprobadamente el peor de tu actividad, como el equipo de fútbol. Siempre habrá que buscar que impulsa a cada uno a seguir.

Por cierto, ¿Qué pasó con Samoa Americana en esas eliminatorias rumbo a Brasil 2014? En el cuadrangular celebrado en Apia, Samoa Occidental en noviembre de 2011, Samoa derrotó 2-1 a Tonga, igualó 1-1 con Islas Cook y cayó 1-0 ante Samoa Occidental, que fue la selección calificada a la siguiente fase de dicho proceso.

El Fútbol y Dragon Ball

Una noticia devastadora se propagó alrededor del mundo principalmente “geek”, pero podríamos decir con alma de niño en general. Entre el 7 y 8 de marzo se supo que Akira Toriyama, dibujante y creador de contenido “manga”, principalmente conocido por dar vida a “Dragon Ball” había fallecido, en realidad el 1 de marzo, pero casi una semana después lo dieron a conocer sus allegados.

Dragon Ball ciertamente ha sido el manga más exitoso de Toriyama, pero en el mundo entero se lo conoció por su adaptación al anime a través de las series: Dragon Ball, Dragonz Ball Z, Dragon Ball GT y demás. Lo importante es la imborrable huella que en la cultura popular dejó la obra del artista japonés y como permeó hacia diversos aspectos de la misma. Lógicamente el fútbol no se quedó atrás.

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Podríamos decir que en los últimos 15 años hemos visto legiones de futbolistas criados con “Dragon Ball” y quizás Eduardo “Toto” Salvio es un referente por excelencia, pues quizás se lo recuerda más por sus celebraciones alusivas a la serie más que por sus goles.

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Una de las celebraciones que más se propagó entre los futbolistas fue la famosa técnica de fusión en la cual 2 individuos reúnen en uno solo sus fuerzas. Nos hemos acostumbrado a ver la misma los últimos años. Más allá de la lucha entre el bien y el mal, una de las temáticas más recurrentes y que quizás se a motivo de haber conquistado el corazón de tantos niños es la amistad. Se necesita ese tipo de complicidad para hacer una “fusión” de celebración. La misma no se hizo esperar en el fin de semana pasado. En Ecuador la realizaron los jugadores de Imbabura en su goleada 3-0 a Delfín por la LIga Pro.

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También se rindió homenaje a Toriyama con célebres técnicas de la serie, como el legendario Kame Hame Ha que expulsa un poderosos rayo de energía desde las manos o el Genkidama que convoca a las energías de las criaturas vivientes.

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Las Esferas del Dragón son objetos mágicos que reunidas invocan al dragón Shen Long que concede deseos, entre ellos devolver la vida. Su búsqueda moviliza a héroes y villanos. El club Independiente de Avellaneda quiso apelar a la magia y mística de sus Copas Libertadores obtenidas en sus días más gloriosos y relacionarla con el poder de las esferas.

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Las hinchadas no se hicieron esperar con homenajes apoteósicos en todo el mundo. En Ecuador como aún no se retoma el tema de tifos o banderas gigantes, no estuvo tan al día, salvo Barcelona. El Tifo del PSG tal vez fue el que más dio que hablar.

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Un homenaje simpático llegó desde las redes sociales de El Nacional atribuyendo una frase a Toriyama. Dicho sea de paso, han cambiado para bien las comunicaciones en este club.

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Los deportes están estrechamente vinculados con este ya inmortal clásico de la animación japonesa. Sus protagonistas y aficionados crecieron junto a él desarrollando transversalmente el hábito de la lucha, de la competencia, pero también de la amistad.

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Unas Lecciones de Humanidad

Es una de las historias más increíbles del Siglo XX y como tal, cada cierto tiempo vuelve a ponerse de moda el caso del equipo uruguayo de rugby que sufrió un accidente aéreo en la Cordillera de Los Andes y como varios de ellos lograron sobrevivir a un escenario casi imposible con una narrativa capaz de superar a la ficción.

Es así como en Netflix se estrenó la película “La Sociedad de la Nieve”, la cual viene siendo el nuevo homenaje cinematográfico a la historia citada en este 2024, aunque el film pudo ser en 2023 estrenado en España, de donde es mayormente la producción y en Uruguay, obviamente porque la historia la protagonizaron ciudadanos de esa nación. Además del debut en distintos festivales.

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Tras cumplirse 30 años de estrenada la película “Alive” (¡Viven!), eran absolutamente esperables las comparaciones. Empezando porque el film actual pudo tener mayor veracidad al ser producido enteramente en español y con actores si no uruguayos, cuando menos rioplatenses, en tanto que la producción noventera es estadounidense con grandes nombres como Ethan Hawke en el papel de Nando Parrado y John Malkovich como Carlitos Páez, lógicamente toda en inglés.

Ahora podemos fijarnos en las diferencias narrativas. En la película norteamericanas se mantuvo los nombres de los sobrevivientes mas se cambiaron las identidades de quienes fallecieron en el accidente. En “La Sociedad de la Nieve” se mantienen los nombres de todos y de hecho, funciona mucho mejor como documental que su predecesora que tiene varios elementos de ficción. También la diferencia está en el punto de partida, pues la película española inicia desde la planificación del infausto viaje, en tanto que la película ya arrancaba con el avión en el aire.

Ese detalle las identidades sería fundamental, pues en “La Sociedad del la Nieve” quien hace de relator es Numa Turcatti, quien falleció luego de pasar demasiado tiempo sin comer. No se usó el nombre de Numa en “Alive” y quien narraba la acción era Carlitos Páez, quien tuvo un rol secundario en la nueva película.

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“La Sociedad de la Nieve” cuenta con 2 nominaciones a los Premios Oscar que se aproximan. El lógico como “Mejor Película Extranjera”, pero quizás el más destacable como “Mejor Maquillaje y Peluquería”, pues el trabajo es muy bueno a la hora de recrear las heridas del grupo siniestrado y en al caso de algunos, la evolución de las mismas. También es sobresaliente el retrato del deterioro de los sobrevivientes mientras pasan semanas sin herramientas básicas de supervivencia y escasez de comida.

El conocido como “milagro de Los Andes” es un tema que cada cierto tiempo se vuelve a tocar como uno de los acontecimientos del Siglo XX y como una de las lecciones de humanidad más impactantes. La lucha por la supervivencia, la capacidad de hacer actos impensados por la misma, la fraternidad y unión para salir adelante. Los nombres como Roberto Canessa, Nando Parrado o Carlitos Páez forman parte de la cultura popular occidental, tanto así que además de las charlas motivacionales que han dado alrededor del mundo, bien podrían haber servido de inspiración para producciones como la norteamericana “Yellowjackets” que habla de un equipo femenino de fútbol ficticio que sobrevive a un accidente. Siempre serán lecciones que valdrán la pena repasar.