Edison Guapaz Zambrano

La Apuesta Hacia la Oscuridad

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A su tiempo fue descrito como un “suicidio comercial”, pero también es considerado el disco que selló el amor incondicional de la fanaticada de The Cure hacia la banda inglesa. “Disintegration” cumplió 30 años de haber sido publicado el pasado 2 de mayo y en honor a eso haremos una acostumbrada revisión.

“Disintegration” podría considerarse como un cíclico retorno dentro de la discografía de los británicos, tras haber abandonado el sonido oscuro y monótono de inicios de los 80, haberse reagrupado y logrado el éxito mundial con un pop pegadizo y apto para todo público. Pero este disco estaría lejos de continuar la dulce melancolía de “The Head on the Door” o “Kiss Me…” y más bien tomaría un rumbo más sombrío acompañado por la sensación de envejecimiento que recorría a su líder, Robert Smith.

La preocupación a la interna de su casa disquera se fundaba en las largas introducciones instrumentales de varios de los temas que iban tomando forma durante las sesiones de grabación a finales de 1988 y comienzos de 1989. Cuando el disco arranca con “Plainsong”, la sobriedad de los arreglos son más bien dignos de soundtrack de película. La demora para que Smith entre a cantar da otro añadido dramático y mientras tanto, se podría decir que el álbum es sumamente cinemático.

“Disintegration” tiene varias historias. El primer sencillo es una historia de terror. “Lullaby” escenifica una pesadilla tanto en sus letras (And there is nothing I can do, when I realize with fright that the Spiderman is having me for dinner tonight), como por su tenebroso pero brillante videoclip, aunque también se puede interpretar como una sensación de acoso. El bajo y la batería son sumamente puntuales y precisos para dar ese ambiente de solemnidad y persecución y sobre los mismos descansan guitarras, teclados, vientos y toda la sofisticada orquestación que va encima de un ritmo mayormente taciturno. Para la primavera de 1989 estuvo disponible el sencillo preparando la salida a la venta del disco y alcanzando una sonada popularidad.

 

Casi en simultáneo y para convencer sobre esta nueva apuesta de The Cure al publico norteamericano, se lanzó como sencillo a “Fascination Street”, con un talante decididamente más duro y rockero en el que destaca sobremanera la emblemática línea de bajo de Simon Gallup, tal vez una de las más reconocibles del extenso catálogo del grupo y más el golpeteo casi marcial de la batería de Boris Williams hacen de esta ciertamente la canción más vigorosa de “Disintegration”.

Sin embargo, para un éxito total, hacía falta presentar la balada. “Lovesong” fue publicada como sencillo en verano de 1989 siendo un notable éxito a ambos lados del charco. Un tema en teoría simple, con una letra sencilla que evoca tal vez el lado más empedernido e idealizado. En cuanto a la música, una vez más el bajo es el eje vial por el que pasa todo y al que se acoplan los riffs desgarradores de guitarra de Porl Thompson y la melancolía taciturna de los teclados. Whenever I’m alone … with you…

 

Y para finalizar una exitosa saga de sencillos, el último promocional de “Disintegration” fue publicado en marzo de 1990. “Pictures of You” es otro de los grandes clásicos de The Cure que formaron parte del álbum. Se trata de una canción que evidentemente aborda el tema de la nostalgia fijado en un acto tan propio de la misma como el de mirar fotografías. Bien puede tomársela como el lamento de una ruptura sentimental o la partida de un ser querido. El tratamiento de las guitarras es muy especial, pues entre agudas melodías, disonantes y efectos varios dan en el clavo a la hora de lograr el ambiente casi desolador del tema.

Fue común el que se hable del retorno de The Cure a sus orígenes y se encuentra en temas como “Prayers for Rain”, “The Same Deep Water As You” o “Homesick”, la atmósfera supremamente oscura de discos como “Faith” o “Seventeen Seconds”. Así mismo, una colección de brillantes arreglos en “Las Dance” o “Untitled”, fruto de la acumulación de experiencia y de la que bien se podría calificar como la alineación más brillante de la banda com Smith – Gallup – Thompson – Williams y O’Donnell. Otras como “Closedown” o la homónima “Disintegration”. serían una ventana hacia el futuro. Los temas que no fueron tomados en cuenta como sencillos contaban con largas introducciones instrumentales generalmente.

TheCure 1989

Disintegration también fue un producto de la tensión, pues a pesar del éxito de sus placas anteriores, The Cure pasaba por una crisis fundamentada en el alcoholismo de uno de los miembros originales del grupo, Laurence “Lol” Tolhurst, que incomodaba al resto de integrantes y para su reemplazo desde las épocas del “Kiss Me…” ya estaba en los teclados Roger O’Donnell. De todas maneras Tolhurst estuvo en los créditos del disco.

Entre las distinciones que obtuvo “Disintegration”, Lullaby obtuvo el premio de mejor video en los BRIT Awards. En la cartelera de Billboard 200 alcanzó la posición 12 y vendió cerca de 3 millones de copias. The Cure comenzó a padecer los rigores del éxito masivo y la sensación de desintegración como personas, como grupo de amigos o familia y como banda de música fue casi como un karma arrastrado por el título. Ningún álbum del grupo británico volvería a tener un reconocimiento similar y pasaría por muchos cambios en sus alineaciones.

Disintegration – Fiction – 1989

disintegration

1 Plainsong
2 Pictures of You
3 Closedown
4 Lovesong
5 Last Dance
6 Lullaby
7 Fascination Street
8 Prayers for Rain
9 The Same Deep Water as You
10 Disintegration
11 Homesick
12 Untitled

Edison Guapaz Zambrano

Una Sinfonía Pop en los 80

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Como uno de los mayores protagonistas del “New Wave” desarrollado a finales de los 70 como una “forma edulcorada” del punk, los bostonianos “The Cars” ya tenían un prestigio muy bien ganado en la década de los 80. Aunque probablemente les faltaba dar el gran golpe comercial.

Para la realización de “Heartbeat City”, que le pasado 13 de marzo cumplió 35 años de haber visto la luz, se buscó a un productor experto en éxitos como Robert “Mutt” Lange, quien por aquellos días tenía un prestigio muy bien ganado al haber sido el hombre detrás de las consolas de los enormes “Highway to Hell” y “Back in Black” de AC/DC. En los estudios Battery de Londres y usando toda la segunda mitad de 1983 se gestaría el que sería el disco más exitoso de los Cars.

La llamativa carátula del disco es mayormente tomado de una pieza de arte pop creada por Peter Phillips, amigo personal del baterista del grupo, David Robinson, en 1972, llamada «Art-0-Matic Loop di Loop» en la cual destaca una hermosa dama y un Plymouth Duster de 1971. Ideales para conceptualizar visualmente a un grupo llamada “los autos”.

 arto o matic

El mismo día de la publicación de “Heartbeat City”, empezó a sonar su primer sencillo: “You Might Think”. Este pegadizo tema con una base punk, pero un excelso trabajo en los teclados desplegado principalmente por Greg Hawkes marcan la ruta de una canción imposible de sacarse de la cabeza. Aunque también el bajo con efectos de Benjamin Orr y los extraordinarios solos de guitarra del zurdo Elliot Easton dan el sabor perfecto a este tema de hecho escrito por el líder de los Cars, Ric Ocasek. Melodías acerca de obsesión más que amor que se reflejarían en la producción de su famoso videoclip, el cual gozó de un presupuesto bastante más generoso que el de un video musical promedio de la época, pero sobretodo con la imaginación para hacer de un acoso una historia divertidísima y que se podría decir, con final feliz.

 

En una onda similar, rockera pero apoyados en la tecnología y los sonidos de sintetizadores, aunque con un tempo más lento y meloso, llegó “Magic” como segundo sencillo ya en plena primavera de 1984. Mientras se va cantando al enamoramiento, se protagonizó otro videoclip con efectos visuales interesantes con un resultado divertido. A la par de “You Might Think”, Magic también alcanzó el número uno del listado Billboard “Top Rock Tracks”.

 

Sin embargo, y como muchas veces pasó en los 80, el gran suceso llegaría de la mano de la gran balada. “Drive” fue editado como sencillo en julio de 1984 y tuvo la pequeña gran diferencia de contar magistralmente con el bajista Benjamin Orr en la voz. Sin duda este es uno de los grandes temas pop románticos de los 80 con una dinámica de bajos y sintetizador en tempo lento, prácticamente infaltable en celebraciones como bodas y similares, a pesar que el mismo habla de conflictos en una relación más que de amor idílico. Así como “You Might Think” tuvo como protagonista a la bella Susan Gallagher, “Drive” lanzó a la fama a la modelo checa Paulina Porizkova, quien posteriormente contrajo nupcias y ha permanecido mucho tiempo casada con el líder del grupo, Ric Ocasek. Con “Drive”, The Cars tuvo una notable participación en el festival Live Aid de 1985.

 

 “Heartbeat City” arranca con un sofisticadísimo tema para aquellos tiempos. “Hello Again” es un complejo enjambre de programación de beats, efectos de estudio y equipos de vanguardia y sintetizadores a un sonido que desnudo sería básicamente punk. Particularmente acá se lucen el tecladista Greg Hawkes y el baterista David Robinson. Un videoclip bastante polémico con escenas sexuales y provocativas, además de ciertas dosis de violencia acompañó a la promoción de este tema que fue el cuarto sencillo del álbum y fue dirigido ni más ni menos que por Andy Warhol, quien hasta hace un cameo como bartender.

 

“Why Can´t I Have You” se publicó como sencillo ya en 1985 y fue también otro tema soft pop con prodominio de sintetizadores y opciones tecnológicas. “Looking For Love” es bastante más parecida al “The Cars” clásico con fuerte influencia New Wave en la guitarra y posteriormente sería covereada por el austriaco Falco, mientras que “I Refuse” más bien adopta una textura muy similar a los temas de Synthpop que en la época eran muy populares e “It’s Not The Night” en cambio es bastante más rockera y emparentada con el pop – rock de los 80. Un tema muy vertiginoso y vanguardista como “Stranger Eyes” formó parte del tráiler de la legendaria película “Top Gun”, pero finalmente no fue tomada en cuenta para su soundtrack. El disco finaliza con otra pieza sofisticada de ingeniería de sonido como la homónima “Heartbeat City” que fue editada como sencillo sólo para el Reino Unido.

TheCars

En cuanto a reconocimientos, “Heartbeat City” certificó cuádruple platino en Estados Unidos y alcanzó el puesto 3 en la lista de 200 de Billboard. El videoclip de “You Might Think” se llevó el premio de “Video del Año” en la entrega de los primeros MTV Video Music Awards celebrados en 1984. Fue la cima de la carrera de esta agrupación fundada en Boston, Estados Unidos. Después tendrían un éxito escaso, pero un gran nombre al menos en la década de los 80.

 

Heartbeat City – Elektra – 1984

hbc

Hello Again

Looking for Love

Magic

Drive

Stranger Eyes

You Might Think

It´s Not the Night

Why Can´t I Have You

I Refuse

Heartbeat City

Edison Guapaz Zambrano

¡Y el Punk Volvía con Fuerza!

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 Era ya 1994, con los 90 plenamente instalados y casi arribando a su mitad. La música conocida como “alternativa” ya no lo era tanto, pues era la preferida de tiendas de discos y radios. De hecho, el término “alternativo” comenzaba a ser bastante difuso.

Green Day era una banda californiana con ese sonido tan energético y “buena onda” característico del punk de la costa Oeste de los Estados Unidos. Este sonido que mantenía una esencia eminentemente “punk” era hasta principios de los 90 más bien de difusión underground. De hecho, al fan promedio de la música en dicho tiempo bien le pudo haber parecido Green Day un grupo nuevo, pero Dookie ya era el tercer álbum de la agrupación. El mismo que tendría una repercusión inimaginable para sus miembros.

 “Dookie” es un álbum noventero por excelencia no sólo porque sus acordes son clásicos de la década, sino por la temática que aborda, iniciando por el propio título (que en inglés puede traducirse como “excremento”), es un disco a través del cual se pudo expresar toda gama de inquietudes y problemas juveniles: angustia existencial, aburrimiento, soledad, masturbación, drogas, etc. Más este no es para nada un disco triste y más bien se presenta con bastante desfachatez.

 Como muchos éxitos de los 90. El primer sencillo del álbum, “Longview”, habla de sentirse sumamente solo y consecuencia de eso, creerse un desastre, el cantar sobre concebirse a sí mismo como un perdedor tan típico de finales del Siglo XX. La soledad que evoluciona en ansiedad, de ansiedad a depresión (I got no motivation, where is my motivation?) y depresión hacia extremo aburrimiento sentenciado con la brutal frase “When masturbation lost its fun, you’re fucking lonely» (cuando masturbarse deja de ser divertido es porque estás jodidamente solo). En lo musical destaca la icónica línea de bajo que Mike Dirnt supo crear a partir de un viaje con ácidos con una batería en la que Tre Cool juega con los momentos de calma y euforia que distinguió al rock alternativo. El videoclip muestra a Billie Joe en un ambiente claustrofóbico de una casa de clase media americana promedio.

 

El líder de la banda, el carismático guitarrista y cantante Billie Joe Armstrong, en su juventud e incluso ya como una consagrada estrella sufrió de ataques de ansiedad. Este casi descenso a la locura es lo que expresa en “Basket Case”, el mega éxito que catapultó a Green Day a la fama internacional. El pánico bien puede ser producto de la confusión o inducir a la misma. Cuando dice “Am I just Paranoid or I’m Just Stoned” (¿estoy paranóico o solamente drogado?) intenta dilucidar si la angustia no tiene que ver con el consumo o cuando intenta arreglar sus problemas y menciona que un “loquero” le insinuó a que se debe a la falta de sexo, entonces acudió a donde una prostituta, pero menciona que “he said my life’s a bore”, o sea que es un ÉL y da un guiño hacia su confusión en identidad sexual de su adolescencia. Mientras líricamente se trata toda esta mezcla de emociones de forma muy entretenida, su energética guitarra con distorsión a tope y la imparable batería dictaminarían lo que se oiría en cuanto a música en los años venideros. El video no puede ser más cómico, filmado en un psiquiátrico abandonado originalmente en blanco y negro y pintados los films, para dar mayor alusión a la locura.

“Welcome to Paradise” fue el siguiente sencillo en ser emitido por el álbum, aunque originalmente este tema estuvo dentro de su anterior álbum “Kerplunk”, pero para “Dookie” se lo reeditó hacia una versión menos áspera. Un tema que habla de los suburbios más oscuros californianos a los cuales el título de la canción alude en forma irónica y con algo de identidad y resignación, como puede aludir cualquiera a su lugar de origen con amor a pesar de los problemas del lugar. Ya en 1995 se editó como sencillo “When I Come Around” que fue inspirado en una pelea de Bille Joe con su pareja en la cual finalmente le da la razón y pide que no le recuerden que tan desastroso es. El tema tal vez es de los más lentos del disco, da forma al resurgimiento del punk como música “mainstream” y su componente más pop de los 90 y principios de Siglo XXI.

El último sencillo de Dookie, “She” tiene también el protagonismo del bajo de Dirnt. En general, “Dookie” a pesar de ser un disco punkero y guitarrero, tiene mucho protagonismo en independencia con su bajista, tal vez es la ventaja de que Green Day sea un “power trio”. “She” se inspiró en una ex pareja de Billie Joe que luego se mudó a Ecuador. En el resto del álbum los conflictos familiares (In The End), la orientación sexual confusa (Coming Clean), la ansiedad (F.O.D., Burnout, Having a Blast), las drogas y el aburrimiento son temas recurrentes.

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“Dookie” marca en algo el principio del fin del Grunge. En una escena en donde los lamentos, la melancolía y desesperanza eran la nota común, llegó la explosión de vitalidad de esta banda californiana que si bien no se alejó de la temática de problemas juveniles, los expuso de una forma más festiva. Green Day con “Dookie” dio el gran empujón al punk para volver de nuevo a los grandes escenarios y sería la pauta para lo que sería una nueva generación de “punk vital” con bandas como The Offspring, Blink 182, Simple Plan, SUM 41 y buena parte de la onda “emo” de inicios de los 2000. Junto con “Smash” de The Offspring se los considera como el combo del renacer del punk.

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La portada de Dookie tiene una increíble referencia a la cultura popular e ídolos personales de los miembros de Green Day y en la misma se hace homenaje a: AC/DC, Black Sabbath, Patti Smith, The Ramones y hasta Plaza Sésamo en la contra portada. Encontrar todas estas referencias en la misma puede ser un ejercicio muy divertido.

Entre los reconocimientos de “Dookie” está el haber al momento vendido aproximadamente 20 millones de copias alrededor del mundo certificando diamante en Estados Unidos (10 millones de copias), alcanzó el número uno en países como Argentina o Australia y el número 2 en la lista de Billboard 200. Además recibió en 1995 el Premio Grammy a mejor disco de música alternativa. Con Dookie llegó la fama internacional para Green Day y dio pie para trabajos más sofisticados, sin embargo, el trío mantiene su esencia e identidad.

Dookie – Reprise – 1994

Dookie

1 Burnout

2 Havin a Blast

3 Chump

4 Longview

5 Welcome to Paradise

6 Pulling Teeth

7 Basket Case

8 She

9 Sassafras Roots

10 When I Come Around

11 Coming Clean

12 Emenius Sleepus

13 In The End

14 F.O.D. / All by Myself

Edison Guapaz Zambrano

Cuando el Pop Adolescente Tomó el Control

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Parece ayer cuando una hermosa colegiala encarnada por Britney Spears lucía impaciente esperando por el sonido de una campana salvadora… para comenzar con el espectáculo. 1999 sería el año del pop y un disco en particular sería su punta de lanza.

“…Baby One More Time” fue publicado un 12 de enero de 1999, por lo que recientemente cumplió 20 años desde su irrupción en la música y en especial en el mundo del pop. Fue el disco debut de la estadounidense Britney Spears como solista y el empujón hacia una carrera impresionante, la cual también la arrastró a su peores momentos, pero no es tiempo de hablar de ello, sino del inicio de la gloria.

Britney Spears había comenzado a ser conocida por su participación en “The All New Mickey Mouse Club” en el que compartió pantalla con otras futuras estrellas del espectáculo como Christina Aguilera y Justin Timberlake. Tras la cancelación del show y su entrada a la adolescencia, Britney mediante sus representantes buscó más y tras un fallido intento de unirse a un grupo de pop adolescente como se estaba poniendo de moda en ese momento, firmó un contrato como solista con Jive Records. El álbum se grabó en su mayor parte en Suecia entre 1997 y 1998.

Antes de la salida al mercado del álbum, a finales de 1998 se editó como sencillo y a la vez se publicó el videoclip de “…Baby One More Time”, el cual sería icónico para la saliente década de los 90. Aquella coreografía con traje colegial está impregnada con tinta indeleble en la memoria de cualquier adolescente noventero: todos querían ser como ella, salir con ella o tener una novia como ella. ¿Se venía el relevo generacional de la gran Madonna? Los medios no dudaron en apurarse a bautizarla como “la princesa del pop”.

La canción “… Baby One More Time” podría describírsela como pop perfecto. Mezcla de R&B, funk y varios elementos de pista de baile con aquel icónico piano que marca los compases. El tema habla de amor y arrepentimiento y una lucha entre saber si lo correcto es la soledad y uno relación que tiene sus pros y sus contras. Una lucha por crecer que se desarrollaría en discos posteriores.

Ya en la primavera de 1999 y como continuación de un lógico ciclo de promoción se publicó como sencillo a la balada “Sometimes”, con una temática muy parecida de no saber si irse o quedarse en una relación, pero con una ritmo edulcorado y fácilmente accesible para el corazón adolescente. Además que el videoclip promocional muestra una imagen dulce y cándida de Britney. La novia que cualquiera quería tener.

El siguiente sencillo fue la más alegre y atrevida “You Drive Me Crazy” que ya sonó en el verano boreal de 1999. Sale un poco del esquema de los corazones rotos y habla más del deseo en un tono mucho menos romántico. El tema es tremendamente bailable y pegajoso con algún toque de percusión latina marcando los compases. Un detalle importante en el videoclip fue la participación de Mellisa Joan Hart, estrella adolescente de por aquellos días.

El álbum tiene muchos elementos de pop – balada como en los temas “Born to Make You Happy” o “From The Bottom of my Borken Heart” que fueron los siguientes sencillos, además de una elección para el disco preferentemente de “corazones destrozados” como el combo “I Will Be There” y “I Will Still Love You” que tienen incluso técnicas y opciones de guitarra muy de pop noventero, estilo Natalie Imbruglia o similares. “E-mail My Heart” incluso da un guiño a la tecnología de por aquellos días por el título siendo una balada de lo más normal. Hay temas también muy disfrutables y de inmensa influencia R&B como “Soda Pop” o “Thinkin’ About You”.

Todos los ritmos juntados en “…Baby One More Time” atesoran el sonido característico de finales de Siglo XX. Pero es tiempo de hablar de sus reconocimientos. El álbum debut de Britney es uno de los más vendidos de la historia de la música, al momento serán 32 millones de copias, llegando justo a tiempo antes de la instalación de la era de la música digital. Britney fue la más joven artista en certificar disco de diamante en Estados Unidos, logro que se acredita cuando se supera los 10 millones de discos vendidos. Así mismo, logró el disco de platino en buena parte de la Unión Europea, así como en los países más poblados de Latinoamérica. Estas cifras permitieron a Britney Spears inscribir su nombre en el Libro Guinness de los récords ser la artista adolescente con mayor cantidad de discos vendidos.

Lógicamente “…Baby One More Time” alcanzó el primer lugar en la lista de 200 de Billboard en Estados Unidos alternando dicho lugar entre enero y abril con otros discos del momento y terminó siendo el segundo mejor vendido de 1999 en la nación americana. Además ocupó el primer lugar en países como Alemania o Canadá. Así mismo ganó en 1999 el premio de mejor disco en los Teen Choice Awards.

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“…Baby One More Time” es una de las grandes joyas del pop adolescente, criticado en su momento por el quizás excesivo ánimo comercial, contiene demasiados elementos musicales y estéticos necesarios para entender lo que fue la cultura popular del cambio de milenio: La consolidación de la música R&B y vocal, el protagonismo femenino en el espectáculo, la evolución de niña a mujer, la piedra angular para el despliegue y difusión masiva vía el vértigo del desarrollo tecnológico e incluso la vestimenta característica de los pantalones de tiro bajo. Britney es una de las gigantes de la cultura pop.

«… Baby One More Time» – Jive Records – 1999

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  • …Baby One More Time
  • (You Drive Me) Crazy
  • Sometimes
  • Soda Pop
  • Born to Make You Happy
  • From the Bottom of My Broken Heart
  • I Will Be There
  • I Will Still Love You
  • Thinkin’ About You
  • E-Mail My Heart
  • The Beat Goes On
Edison Guapaz Zambrano

Los 60 Años de una Reina

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El pasado 16 de agosto quien vio la vida con el nombre de Louise Veronica Ciccone cumplió increíbles 60 años siendo uno de los referentes esenciales de la cultura popular occidental en por lo menos los últimos 35 años. Lógicamente estamos hablando de Madonna.

Nacida en el Estado de Michigan, el temprano fallecimiento de su madre cuando apenas tenía 5 años la marcaría dolorosamente. Desde muy joven fue evidente su fuerte carácter y perseverancia. Ya en su ascenso a la fama, la crítica siempre resaltó su ambición como característica fundamental de su obra. Con poco más de 18 años se mudó a Nueva York a buscar su espacio, su nombre. Una juventud de esfuerzo y dedicación pronto darían resultados.

Madonna en su evolución estética y musical ha sido quien ha marcado la tendencia estando normalmente un paso al frente y dictando lo que hay que hacer a su público y sucesoras. Es fácilmente recordable su look en la primera mitad de la década de los 80, el cual podría definirse como “urbano” con las blusas desmangadas, sus pañoletas o lazos en la cabeza, accesorios grandes y vistosos y el llamativo maquillaje. Son tiempos de sus himnos pop y dance con influencia R&B y música bailable de la década de los 70.

 

A medida que baja lo escandaloso de su ropa subieron los escándalos en sus declaraciones a los medios y en sus presentaciones. Madonna fue tomando un look atlético que se relacionaba con la temática “Girl Power” de sus siguientes producciones musicales. Ya se había afirmado como una mujer ambiciosa, poderosa y decidida. Había tomado para así y con firmeza el título de “Reina del Pop”, mientras sus coreografías iban tomando ribetes más sofisticados e icónicos. Un empoderamiento total y hasta agresivo de su sexualidad mientras a su música se incorporaban beats más fuertes y una mayor gama de sonidos.

 

Arribando a sus 4 décadas, Madonna  buscó una apariencia más madura y sofisticada. Durante los años 90 la música y los gustos del público se habían modificado notablemente y la Reina del Pop no podía quedarse atrás. Para mantener un público cautivo supo reinventarse y gustar a nuevas generaciones y latitudes. Ciertamente la “europeización” de su música y apariencia dio mayor universalidad a su obra que por entonces comenzaba a ser longeva.

 

 

Siempre siendo osada para llamar la atención

 

 

Presente en el mundo del cine continuamente

 

 

Oportuna también para manifestar sus puntos de vista políticos.

 

Probablemente la más grande artista femenina de la historia. A sus 6 décadas se mantiene impecable y buscando nuevas formas de expresión y también nuevas polémicas. Un verdadero referente de la mujer en el mundo. La inigualable Madonna.

 

Discos básicos para entender el «Universo Madonna».

Trilogía ochentera:

  • Like a Virgin
  • True Blue
  • Like a Prayer

Trilogía dance:

  • Ray of Light
  • Music
  • Confessions on a Dance Floor
Edison Guapaz Zambrano

Historia de los Himnos de los Mundiales

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Uno de los rituales que se ha instalado en la espera y desarrollo de los mundiales de fútbol tiene que ver con la música. Los himnos y canciones son el sello característico del recuerdo de una cita mágica como es la copa del mundo.

Esta tradición se instauró en 1962 en el Mundial de Chile. En pleno surgir del rock and roll, esta “novedosa” música inspiró la composición del primer himno de la copa. “El Rock del Mundial” interpretado por la banda local “Los Ramblers” fue la banda sonora de aquella cita en la que brilló el Brasil de Garrincha y otras tantas glorias del balompié mundial.

En 1966, el Mundial de Inglaterra inauguró otra tradición que fue la creación de la mascota oficial. Willie el León no sólo dio el toque lúdico, sino que inspiró el himno de esta edición de la Copa del Mundo llamado «World Cup Willie» interpretado por Lonnie Donegan y que tiene una fuerte influencia de la música tradicional de las islas británicas. Para imaginarse a Bobby Moore y su selección festejando a su ritmo.

México 1970 vería la consagración de tal vez la mejor selección de la historia: el Brasil de Pelé. Su tema, «Fútbol México 70» obviamente tendría muchos elementos de la tradición musical mexicana y su clásico estribillo de aliento “chiquitibum a la bim bom ba”, aunque el tema también introduce elementos más “modernos” hablando de la época, con un poco de ritmos latinos y otro tanto de soul. Su interpretación corrió a cargo de los Hermanos Zavala.

En el Mundial de Alemania 1974 se oyó “Fussball ist unser Leben” compuesto por Werner Drexler y Jack White (no es el pana de los White Stripes, ojo). Con un ritmo muy tradicional alemán, se la puede imaginar escuchándola mientras se disfruta de un enorme jarro de cerveza, deleitándose con los goles de Gerd Müller, el liderazgo de Beckenbauer y la magia de Johan Cryuff.

Argentina 1978 tuvo un himno mucho más sobrio, obra del famoso compositor de italiano de bandas sonoras de películas, Ennio Morricone e interpretada por la sinfónica de Buenos Aires. «El Mundial» con su ritmo épico nos hace imaginar a Mario Kempes driblando cuanta camiseta naranja se le ponía enfrente.

“Mundial 82” fue el himno de la cita ecuménica celebrada en dicho año en España. Hubo el notable cambio de la inclusión por primera vez de 24 selecciones en la competición, mientras que su canción fue interpretada por el tenor Plácido Domingo y acompañado no precisamente por ópera sino más bien por una especie de pasodoble y demás ritmos tradicionales españoles con los que se recuerda la magia de Zico, Sócrates, además de los goles de Paolo Rossi.

Por primera vez una voz femenina se escuchó en las citas mundialistas en México 1986. La británica Stephanie Lawrence cantó “A Special Kind Of Hero” en un ritmo muy de pop femenino ochentero. Desde este mundial aparecieron más canciones además del tema oficial. Es así como el intérprete Juan Carlos Abara cantó “El Mundo Unido por un Balón” que es mejor recordada por la afición latinoamericana y la inmediata asociación con los regates de Diego Maradona. Del mismo empezaron regulares canciones pop a animar los mundiales y en este caso “Hot, Hot, Hot” del caribeño Arrow fue parte del combo sonoro del mundial mexicano.

A Special Kind of Hero

El Mundo Unido por un Balón

Dicen que Italia 1990 fue “un mundial feo”, sin embargo, dio al fútbol y a la cultura popular en general, la que es considerada la mejor canción de la historia de los mundiales. «Un’estate italiana”, compuesta e interpretada por Edoardo Benato y Gianna Nannini es una conmovedora balada al más puro estilo del pop italiano, capaz de hacer enjugar una lágrima mientras vienen a la mente las atajadas de Goycoehea, los lamentos de Gascoigne y del mismo Maradona, los pasitos de baile de Roger Milla, los goles de Schillaci y a Lothar Matthaus levantando la copa.

Estados Unidos 1994 fue el mundial de los árbitros de colores, los arcos cambiables y las victorias de 3 puntos. Los goles de Romario, el glamour de Roberto Baggio, el brillo de Gheorghe Hagi y demás fueron animados por el tema oficial “Gloryland” interpretado por Daryl Hall y Sounds of Blackness en una onda un poco R&B típico de las tierras norteamericanas. Fue la primera vez en la que se editó un disco conmemorativo en el que se incluyeron emblemáticos temas remezclados para la ocasión como “Celebration” de Kool and The Gang o “Rock & Roll” de Gary Glitter.

A partir de 1998, en el Mundial de Francia, hubo que diferenciar lo que es el “Himno Oficial del Mundial” y la “Canción Oficial del Mundial”. El himno corresponde al tema “La Cour des Grands” interpretado por el senegalés Youssou N’Dour y la belga Axelle Red. En tanto que la canción es la muy conocida “La Copa de la Vida” interpretada por el puertorriqueño Ricky Martin y es de hecho uno de los temas más populares de la década. En el disco conmemorativo se incluyeron temas que durante el mundial fueron muy populares en diferentes latitudes como “Samba E Gol” de Bellini, “Top of the World” de Chumbawamba o “É Uma Partida de Futebol” de Skank para recordar a grandes cracks como Ronaldo, Zinedine Zidane o Davor Suker.

La Cour des Grands

La Copa de la Vida

Samba E Gol

El himno del Mundial de Japón y Corea 2002, que de hecho su nombre oficial es tal cual: “Anthem FIFA World Cup 2002”, fue compuesto por el grupo griego de música electrónica “Vangelis” con una propuesta de música repleta de máquinas acorde a la llegada del siglo XXI. Del mismo modo hay que diferenciar de la canción oficial que fue “Boom”, interpretada por la estadounidense Anastacia y a nivel local se popularizó el tema “Let’s Get Together Now” con un ritmo más bien funk. Se recuerda más a la laboriosa selección coreana, la fina puntería de Ronaldo y un poco de selecciones sorpresivas como Turquía o Senegal que a las canciones que no tuvieron el impacto que las del mundial pasado.

Anthem

Boom

“Celebrate the Day”, interpretada por Herbert Gronemeyer, Amadou y Mariam fue el himno oficial de Alemania 2006 y la canción oficial fue “The Time of Our Lives” interpretada por Il Divo y Toni Braxton. Sin embargo, estos temas des escasa sensibilidad pop no tuvieron la popularidad de “Love Generation” de Bob Sinclar o “Hips Don’t Lie” de Shakira y Wyclef Jean, con los que sí se puede fácilmente asociar las jugadas de Zinedine Zidane, Andrea Pirlo, Alessandro del Piero y los goles de Miroslav Klose.

Celebrate the Day

The Time of Our Lives

Love Generation

R. Kelly se encargó de la producción de “Sign of a Victory” quien con ritmos africanos y americanos estructuró el himno oficial de Sudáfrica 2010 acompañado de los Soweto Spiritual Singers. En cambio la canción oficial fue el muy popular “Waka Waka” de la colombiana Shakira. La gaseosa Coca – Cola es uno de los principales auspiciantes del Mundial de Fútbol y a partir de este mundial emitió su tema promocional que para aquella edición fue “Wavin’ Flag” del somalí K’naan y en español la cantó David Bisbal haciendo juego con la levantada de copa de Iker Casillas, la primera para España.

Sign Of a Victory

Waka Waka

Wavin’ Flag

Brasil 2014 tenía que imprescindiblemente contar con ritmos latinos para su banda sonora. Es así como el himno oficial “Dar um Jeito” reunió al gran Carlos Santana con Wyclef Jean, Avicii y Alexandre Pires para dar una poderosa y explosiva combinación. De todas maneras más popular fue la canción oficial, la recordada “We Are One” que juntó a Pitbull, Jennifer López y Claudia Leitte. Además fueron populares temas de “viejos conocidos” en temas mundialistas como “La La La” de Shakira o “Vida” de Ricky Martin. Muy latino todo pero el brillo en cuanto fútbol lo puso la Alemania de Toni Kroos, Thomas Müller, Manuel Neuer y toda esa generación maravillosa del campeón vigente.

Dar um Jeito

We Are One

La La La

Para este Mundial de Rusia 2018 la canción oficial es interpretada por Polina Gagarina, Egor Creed y DJ Smash, su nombre es “Comanda”. En tanto que sigue en vigencia la moda latina y afrodescendiente, por lo que canción promocional de Coca – Cola es “Colors” interpretada por Jason Derulo y el colombiano Maluma.

Comanda

Colors

¿Cuál creen que fue el mejor tema de los Mundiales? Son libres de comentar.

Jorge Aguirre

The Dark Side of the Moon (or The Human?)

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Grabado entre 1972 y 1973 en los míticos estudios Abbey Road, fue producido por Pink Floyd acompañados por Alan Parsons en la ingeniería de sonido, vio la luz el 1 de marzo de 1973.

Un álbum que se caracteriza en primer lugar por no contar con temas extensos como sus anteriores trabajos de rock progresivo (refiriendo a aquellos que vieron la luz luego de la salida de Syd Barret), pero que no por eso deja de tener la complejidad musical y lírica que siempre ha caracterizado a Pink Floyd, una banda sin puntos medios: o los amas o los detestas por igual. Así mismo el disco no contiene pausas entre canciones, mantiene la continuidad tan perfecta que es casi imposible percibir el cambio entre un tema y otro. Este disco surge como una pieza conceptual que fueron trabajando y experimentado en años anteriores.

Dark side aborda varios temas existenciales que nos rodean a los humanos desde nuestro complejo mundo interior y exterior, temas que parecen tan simples como respirar, otros que son considerados “pecados” por sectores religiosos y otros que nos agobian muchas veces como el dinero, el paso del tiempo y la muerte o nuestra lucha diaria con nuestros demonios internos (esa pelea que a veces pierdes y los expertos lo consideran un daño cerebral).

Un latido, un reloj, una voz, máquinas, risas perturbadoras y gritos dan inicio a “Speak to me”. De repente asalta el acople del sonido melancólico y voces sosegadas que te aconsejan tomarte un respiro mientras suena Breathe (In the Air) y antes de que te vayas acomodando para dejarte llevar suena la futurística On the Run. Nuevamente los arreglos complejos y con un teclado empiezan a machacar.

Cuando piensas que es todo enseguida vuelves a perturbarte gracias a unos malditos despertadores. Suena Time donde cabe destacar el acompañamiento coral que le da cierto aire melancólico y el solo de la guitarra de David Gilmour tan distintivo que se volvió marca personal de la banda (Ticking away the moments that make up a dull day / You fritter and waste the hours in an offhand way), osea deja de desperdiciar la vida y toma el control de tu maldito tiempo y tu destino.

Un solo teclado triste que parece anunciar un momento de reflexión. Suena The Great Gig in the Sky, la cual no contiene una lírica en particular pero si una intensa interpretación vocal no léxica de Clare Torry, se puede percibir en la primera parte del disco la frase. «And I am not frightened of dying, any time will do I don’t mind. Why should I be frightened of dying, there’s no reason for it you’ve got to go sometime».

Llega la única parte alegre (?) del disco, suenan las cajas registradoras, las monedas cayendo, pues se viene Money: Su título ya de por sí te explica de que va la canción, gran trabajo en la parte rítmica compuesta el bajo de Roger Waters y la batería de Nick Manson. Mientras va desapareciendo llega Us and Them y con ella vuelve la melancolía con el intro grandioso de los teclados de Richard Wright, “Us and them and after all were only ordinary men. Me, and you. God only knows its not what we would choose to do, forward he cried from the rear and the front rank died”. Esta canción por momentos parece que suena a Alan Parsons Project.

Any Colour you like, es la pieza instrumental del disco, donde Wright nuevamente presente con el teclado espacial acompañado a la perfección por Manson y Waters en la parte rítmica que dan paso incorporación posterior de la guitarra de Gilmour, una pieza con muchos arreglos de sintetizadores que se van sosegando al final para dejar solo un sonido de guitarra que da paso a Brain Damage, canción interpretada por Rogers Waters y dedicada a Syd Barrett. Suenan risas que te dan la impresión del viaje a la locura al que se embarcó Barrett y del que no pudo salir hasta el final de sus días. “The lunatic is in the hall,the lunatics are in my hall, the paper holds their folded faces to the floor and every day the paper boy brings more”, sin que lo puedas percibir Brain Damage ya se ha fusionado con Eclipse, último tema del disco, con un acompañamiento coral que constituye el tema perfecto para cerrar el disco. Es tan perfecto este cierre que su párrafo final reza: “There’s no dark side of the moon really. Matter of fact, it’s all dark».

Maybe I would note that many times the world and the human being is dark. – Kross2380.

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The Dark Side of the Moon – Capitol – 1973

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  • Speak to me
  • Breathe
  • On the Run
  • Time
  • The Great Gig in the Sky
  • Money
  • Us and Them
  • Any Colour You Like
  • Brain Damage
  • Eclipse
Edison Guapaz Zambrano

La «Resurección» de Duran Duran y The Wedding Album

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El álbum que supuso la redirección de la carrera de Duran Duran está en este mes en su aniversario de plata, pues fue publicado el 11 de febrero de 1993. Siendo este motivo de una pequeña revisión.

Esta importante banda de pop rock británica había experimentado un notorio declive de su popularidad desde la segunda mitad de los años 80 y la misma de hecho se emparentó con lo que fue el súbito desinterés que el público experimentó por la gran mayoría de bandas ochenteras mientras fue el cambio de década hacia los noventa. Dicho esto, sus álbumes “Big Thing” y “Liberty” tuvieron una escasa repercusión en ventas, pareciendo condenar a los de Birmingham al baúl del olvido como tantas otras bandas contemporáneas a ellos.

Sin embargo, Duran Duran pudo agarrar un nuevo aire en la década emergente. Su formación había variado con la salida de Andy y Roger Taylor. Desde 1986 se hacía cargo de la guitarra el estadounidense Warren Cuccurullo, un ejecutor bastante más tecnológico y sofisticado que ya tenía su carrera tocando junto a Frank Zappa o Missing Persons. El poder de su instrumentación se hace presente en “The Wedding Album”, que de hecho formalmente no se llama así, sino que su título es homónimo de la banda, es decir “Duran Duran”, mas para diferenciarlo del primer disco de su carrera, también llamado “Duran Duran”, se decidió bautizarlo con ese apodo debido a la portada del álbum. También es conocido como “Duran Duran II”. Hablando de dicha portada, se observan fotos antiguas de bodas, las mismas pertenecen a las ceremonias matrimoniales de los padres de los miembros de la banda.

Esencialmente “The Wedding Album” es otro material festivo, sensual y bailable de Duran Duran, sin embargo su éxito comercial se fundamentó en las hermosas baladas del disco. Hacia finales de 1992 es publicado el sencillo “Ordinary World”, que relata la desolación por la que el vocalista Simon Le Bon atraviesa tras la pérdida de uno de sus mejores amigos víctima de una sobredosis de drogas. Un tema lento, melancólico al que los solos de guitarra de Cucurullo y la voz de Le Bon que ese espeluznante falsetto dan el tono dramático característico de este, un clásico tema de los años 90.

El otro tema que tuvo gran suceso de “The Wedding Album” fue el tema publicado a continuación de Ordinary World. “Come Undone” salió como sencillo al público a finales de marzo de 1993. El mágico inicio con ese sobresaturado efecto chorus que imprime Cuccurullo a su guitarra lleva hacia un mundo místico dentro de un tema que pareciera haber sido más pensado, pero en realidad fue incluido en el álbum a última hora. Las letras son un regalo de Le Bon a su esposa y las voces adicionales son de la cantante Tessa Niles. El maravilloso y polémico videoclip con el que este tema fue promocionado se grabó en el London Aquarium.

Más allá de las baladas que dieron tanto suceso a “The Wedding Album”, este tiene de hecho temas mayormente intensos y movidos. “Too Much Information” también fue uno de los sencillos promocionales del disco, donde una energética batería conduce a guitarras distorsionadas y los eficientes teclados y artilugios varios de Nick Rhodes. Un sonido más robusto que caracterizó a los noventa de Duran Duran y como apertura del disco es atrapante.

 Al disco le quedaron pocos residuos de las anteriores creaciones de Duran Duran. Temas como “To Whom It May Concern” o “UMF” suenan como el anterior álbum “Liberty” con guitarras funk, pero ya adaptando el beat del pop y R&B de los noventa, el cual estaría presente en la mayoría de temas, tomando en cuenta también que para esos momentos no contaban con un baterista permanente en su alineación, por lo que se evidencia muchas ayudas electrónicas en la percusión. La influencia de la forma de hacer “pop” y “dance” por los beats electrónicos se manifiesta en temas como “None of The Above”, “Shotgun”, “Shelter”  o “Drowning Man”, en este último Nick Rhodes se luce en los teclados.  Dejando a un lado el glamour del funk y New Romantic de los ochenta, tal vez hubo menos espacio para el lucimiento de John Taylor en el bajo, destacando en “None of The Above” y “Love Voodoo”. “Breath After Breath” juega con la incursión hacia ritmos latinos al igual que “Drowning Man”, salvo que la primera tiene un tono más de sosiego.

duran duran 1993

“The Wedding Album” le dio nueva vida a la banda oriunda de Birmingham, tal vez no volverían a ser nunca el súper acto de inicios de los ochenta, pero ayudó mucho a mantenerlos en carrera y en vigencia hasta nuestros días. Además de aportar con grandes clásicos para la década de los 90.

Duran Duran (The Wedding Album) – EMI – 1993

The_wedding_album_duran_duran_1993_album_wikipedia_discogs_amazon

  • Too Much Information
  • Ordinary World
  • Love Voodoo
  • Drowning Man
  • Shotgun
  • Come Undone
  • Breath After Breath
  • UMF
  • Femme Fatale
  • None of th Above
  • Shelter
  • To Whom it May Concern
  • Sin of the City
Edison Guapaz Zambrano

Canciones de las Gradas (Parte 7)

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“Sale campeón, porque es un sentimiento es un honor, poder gritar de todo corazón al albo…” un cántico elaborado y entonado por parte de hinchas del Colo – Colo de Chile que en Ecuador fue adaptado por la hinchada de Liga Deportiva Universitaria y posteriormente se pudo escuchar en otras barras de los equipos ecuatorianos.

Como normalmente sucede, los cánticos entonados en las gradas los adaptan desde algún tema anteriormente creado. En este caso, este cántico se deriva del coro de la canción “Morir de Amor” que se hizo conocido bajo la interpretación del cantante español Miguel Bosé.

“Morir de Amor” es el tema con el que abre el cuarto álbum de estudio del artista ibérico llamado simplemente “Miguel”, el cual fue publicado en 1980 en el cual, un muy joven Miguel Bosé aparece vestido de torero en claro homenaje a su padre, el afamado Luis Miguel Dominguín. Publicado para CBS y Sony

miguel bose miguel

De esta placa con la cual Bosé arrancó la década de los 80 se extraen conocidas baladas como “Morir de Amor” y “Te Amaré”, así como temas más movidos y esenciales en la discografía del hispano como “Don Diablo” y “Voy a Ganar”. En el caso de “Morir de Amor”, la canción fue originalmente escrita por otro grande la canción española como José Luis Perales para que Bosé la interprete. La versión de Perales salió en 1990 en el álbum “A Mis Amigos”, donde interpreta varios temas por el ideados, más interpretados por otros artistas.

Finalizamos el post con la interpretación original del tema. Cuya vestimenta y coreografía se podría a su tiempo catalogar de controversial, pero más allá de ello, el tema es grandioso.

Edison Guapaz Zambrano

La Llegada del Rey

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El pasado 30 de noviembre se celebró el 35 aniversario de la llegada de “Thriller” a la historia de la música. Un álbum que no solo es célebre por los récords que batió, sino por el legado que dejó principalmente al pop.

Michael Jackson iniciaba la década de los 80 asentándose plenamente como un solista maduro pese a su aún corta edad. El predecesor de Thriller, “Off The Wall”, había tenido una gran repercusión entre crítica y fanaticada, entonces había que asegurar a uno de los responsables: el productor Quincy Jones. Sin embargo, el nuevo disco daría un paso más adelante, pues se pasó de los alegres y bailables funk y soul a un estilo más agresivo con altas dosis de rock, tal como lo exigiría el oído ochentero.

Con sesiones que se extendieron de abril a noviembre de 1982, Thriller fue un extenuante trabajo en alrededor de 30 canciones vieron la luz, pero que finalmente terminó publicando 9 temas, todos ellos tan fuertes que tenían el potencial de convertirse en sencillos, por lo que el disco se mantuvo vigente con mucho poder entre los años 1982 y 1984.

Previamente el disco tuvo su pequeño adelanto con la dulce balada “The Girl Is Mine” grabada en colaboración con Paul McCartney, la cual alcanzó el puesto 2 en la lista “Billboard Hot 100”. Para enero de 1983 se publicó como sencillo a “Billie Jean”, uno de los temas más emblemáticos temas con una de las líneas de bajo más famosas de la historia del pop y el rock. Totalmente funk y soul, pero más robusta que por ejemplo sus temas de “Off the Wall”. Billie Jean fue el sencillo mejor vendido de la discografía de Michael y permaneció 7 semanas como el número 1 de la lista de Billboard. Su ingenioso videoclip fue no sólo la puerta de entrada para los artistas negros hacia MTV, sino que dio a dicha cadena televisiva la repercusión masiva de la que gozó en los siguientes años.

El siguiente hit que sacudió a la audiencia fue “Beat It”. Tema con muchas guitarras y Rock and Roll que tuvo como invitado especial a Eddie Van Halen tocando el monumental solo de guitarra de esta canción. Con una temática anti violencia reflejada incluso en el videoclip, “Beat It” fue reconocida con los premios Grammy a “grabación del año” y como “mejor presentación vocal masculina de rock” en 1984. Por supuesto, también llegó al número 1 de la lista Billboard.

El álbum Thriller arranca con “Wanna Be Startin’ Somethin’”. Un tema cargado con toda la energía funk y de baile que tal vez nos puede trasladar a los años dorados del mítico “Soul Train”. Por supuesto, también fue editada como sencillo en mayo de 1983, ocupando el puesto 5 en Billboard como tope. Saliendo un poco de la energía vital y colorida de anteriores temas, el siguiente sencillo fue “Human Nature”, una balada compuesta por John Bettis y Steve Porcaro, tecladista de la banda Toto. Ya en otoño de 1983 se lanza otro sencillo que fue “Pretty Young Thing”, con otra celebración bailable y funk que seguía manteniendo al álbum en la cima de ventas y un totalmente disfrutable bajo sintetizado.

Del álbum original, los únicos temas que no fueron tomados en cuenta para ser sencillos fueron “Baby Be Mine” y “The Lady In My Life”, ambas con mucho que influenciar al posterior R&B. Sin embargo, el sencillo final, el homónimo “Thriller”, fue más allá en lo musical al mezclar lo más profundo del funk con el pop ochentero y aquellos acordes lúgubres que introducían una obra de terror complementada por el videoclip que es considerado como uno de los más importantes de dicha expresión artística al haber sido concebido como un cortometraje y con espectaculares coreografías y maquillaje fueron la sensación de inicios de 1984.

“Thriller” constituyó una máquina de récords. Estuvo 37 semanas como número 1 en la lista “Billboard 200” y es considerado el disco más vendido de la historia con 66 millones de copias certificadas y contando. En cuanto a premios, su producción obtuvo 8 premios Grammy, todos ellos recibidos en 1984. Su influencia hasta hoy se reproduce en artistas y producciones en géneros Pop y R&B en tal forma que se puede decir que “Thriller” confirmó a Michael Jackson como el indiscutible rey del género.

Thriller – Epic – 1984

thriller

  • Wanna Be Startin’ Somethin’
  • Baby Be Mine
  • The Girl Is Mine
  • Thriller
  • Beat It
  • Billie Jean
  • Human Nature
  • P.Y.T. (Pretty Young Thing)
  • The Lady In My Life