Edison Guapaz Zambrano

Canciones de las Gradas – Edición Maradoniana

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La partida de Diego Armando Maradona ha causado mucho pesar en el ambiente futbolero, la expresiones de gratitud y dolor se han multiplicado por la partida del 10, así como los hechos más destacados de su carrera que hicieron sonreír a tantas personas.

Una de esas particularidades ha sido resaltar aquel informalmente reconocido como “el mejor calentamiento del mundo”, que durante la previa del juego que se debía disputar entre el Bayern de Munich y el Napoli por las semifinales de la Copa de la UEFA (hoy Europa League), un 19 de abril de 1989, rompió el molde de una entrada en calor clásica y el periodista belga Frank Raes se dio el trabajo de editar y publicar en YouTube varios años después, ganando en fama con el pasar de los años y tal vez ahora más que el “Pelusa” se ha ido. El fondo musical que se entonaba y se escucha es el tema “Live is Life” de la agrupación austriaca “Opus”.

Mientras nos fascinamos viendo como Diego Maradona dominaba el balón como si fuera una parte más de su cuerpo y sincroniza perfectamente con la melodía ochentera, nos detenemos un poco en la canción. Como se mencionó antes “Live is Life” fue grabado por el grupo austriaco “Opus” en 1984 justamente en vivo, dentro de un álbum homónimo publicado bajo este formato, aunque con distribución europea, por lo que esta canción se incluyó para Estados Unidos y Canadá en el álbum de estudio “Up and Down”, también publicado en 1984.

“Live is Life” es un clásico ejemplo de lo que se conoce como “One Hit Wonder”, es decir, cuando un artista tiene un gran éxito pero no registra nada cercanamente similar durante su trayectoria. Por ello es difícil encontrar o hacer memoria de algún otro tema referente, salvo en la propia Austria o quizás en países vecinos. El tema fue concebido en giras y su grabación incluye coros del público. No es difícil inferir que el tema habla mayormente del éxtasis de las presentaciones en vivo y la conexión con la gente por parte del o los artistas.

Una canción que prácticamente no tendría sentido sin los coros del público. A ritmo casi de reggae, con guitarras preferentemente acústicas y teclados muy de los años 80, se convirtió en uno de los sonidos clásicos de dicha década y su coro (na-na na-na-na) es inconfundible. Alcanzó el número uno en las listas de éxitos de Austria, su tierra natal, y también en: Canadá, España, Francia, Suecia y la en ese entonces Alemania Occidental entre los años de 1984 y 1985. El sencillo sobrepasó fácilmente en millón de copias vendidas alrededor del mundo y ha tenido varias reediciones con el transcurso de los años.

 Esta canción volvió al reconocimiento público, justamente en asociación al espectacular calentamiento protagonizado por Diego Maradona y formó parte de los homenajes a raíz de su fallecimiento, tanto vía redes sociales, así como recreando al menos la banda sonora, como fue en el caso del Ajax previo a su duelo por Champions Legue ante el Midtjylland. Este homenaje habría sido pedido por el lateral izquierdo argentino Nicolás Tagliafico, quien milita en el club neerlandés.

Edison Guapaz Zambrano

Y se Dijo: ¡Colombia También es Rock!

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Desde la primera mitad de la década de 1990 hubo una efervescencia en la producción musical rock – pop latinoamericana que bien podría ser un símil de lo que fue el boom latinoamericano de los años 60 en Literatura.  Tomaban fuerza agrupaciones como: Café Tacuba, Los Fabulosos Cadillacs o Los Tres, que conducían un estilo propio del continente en el que se condimentaba fuertemente los ritmos autóctonos y la música de los jóvenes. Pero faltaba en ese tren el protagonista colombiano.

“El Dorado”, segundo álbum de la agrupación bogotana “Aterciopelados”, vio la luz un 24 de octubre de 1995. Un par de semanas antes habían sorprendido a media Latinoamérica con la publicación de “Bolero Falaz”, el primer sencillo del disco. Una dulce historia de desengaño que tiene precisamente eso, mucho de bolero y de romance de este sector del continente con un sutil bajo que coquetea con el rock alternativo 80 – 90ero. No hubo nadie que se resista a la enviciante cadencia de este tema que se posicionó como un clásico definitivo del rock en español. Además, su videoclip promocional es una obra maestra, sencilla y conmovedora. Los efectos como de recorte de revistas, la guitarra de flores y las gafas de corazón de Andrea Echeverri son parte indeleble de la memoria de un joven noventero latinoamericano.

Pero “El Dorado” abre con el siguiente sencillo publicado para su promoción. “Florecita Rockera” hacia el final de 1995 se tomó radios y pantallas con un estridente intercambio entre melodías en arpegio y algo de reggae con la furia de las guitarras distorsionadas. Muy en la onda del rock alternativo de aquellos tiempos. Un tema divertidísimo y otro clásico indiscutible para los hispano hablantes.

Hablamos de la fusión del rock con el alma y ritmo latinoamericano y precisamente de eso el sencillo “Candela” es uno de los mejores ejemplos, esta vez haciendo justamente gala de elementos de “sangre caliente” como la percusión que domina todo el tema más los coros hacen una combinación perfecta con las guitarras distorsionadas y un bajo que juega de intermediario. Una pieza inolvidable.

Mientras “El Dorado”  seguía siendo un éxito casi sin precedentes para el género y nacionalidad de la placa, entre Vals y Mariachi (?), Aterciopelados en 1996 promocionó a “La Estaca” como el siguiente sencillo. Este divertidísimo tema también habla de desengaño con una letra fácilmente memorizable por sus dichos, modismos y metáforas repletas de inteligencia y humor. El bajo de Héctor Buitrago, sonando lo suficientemente rockero y lo suficientemente latino guía de principio a fin.

 

Tus ojos son dos luceros
Que alumbran los basureros
Tus patas son dos estacas
Para amarrar muchas vacas
Tu pelo es como un trapero
Enredado, sucio y feo
Tu corazón no palpita
Y es peligroso cual dinamita

Adiós, que te vaya bien
Que te coja un carro
Que te parta un rayo
Que te destripe un tren
Adiós, que te vaya bien
Que te muerda un perro,
Que te lleve el diablo y
Marques calavera…

 

Aterciopelados fue uno de los modeladores del sonido de los 90. En “Sueños del 95” existen muchos elementos de rock y de pop que se podrían advetir en años posteriores alrededor de latinoamérica. El rock alternativo y el “pogo” se hacía presente con “Pilas!” y “No Futuro”, temas que además vertían contenidos sociales en sus letras, causas de las cuales, Atercipelados se han abanderado desde entonces. Si hablamos de atmósfera alternativa latinoamericana, hay que citar a “Tripas Corazón”, pues tiene de todo, alternancia entre melodías candenciosas y poder de guitarras, además que la misma técnica tiene su influencia autóctona.

Aterciopelados siempre grita “Colombia” en este álbum, de formas menos ambiguas y de las otras, como en “Colombia Conexión”, la cual es prácticamente una clase de Estudios Sociales acerca de su nación, una clase bailable y pogueable. El tema “El Diablo” más bien retrata estructuras sociales de la sociedad colombiana y tal vez latinoamericana que como habitantes del continente han sido presivas, especialmente a las mujeres. Andrea Echeverri se ha encargado desde siempre, a alzar la voz cuando es necesario.

atercipelados 90s

Es bueno recordar entonces como hace 25 años el rock colombiano dio su gran salto de calidad y ofreció por lo menos al mundo hispano parlante, un sonido que unía al pasado con el futuro, un sonido del cual se puede estar muy orgulloso.

 

El Dorado – BMG – 1995

Aterciopelados-el-dorado-1995-album-cover

  • Florecita Rockera
  • Sueños del 95
  • Candela
  • Bolero Falaz
  • No Futuro
  • El Dorado
  • De Tripas Corazón
  • Colombia Conexión
  • Las Cosas de la Vida
  • Pilas!
  • La Estaca
  • El Diablo
  • Si no se Pudo, Pues no se Pudo
  • Siervo sin Tierra
  • Errantes
  • Mujer Gala *
Edison Guapaz Zambrano

Del Infortunio a la Gloria

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Era el año de 1979 y AC/DC, banda formada por escoceses en Australia, empezaba a tener un reconocible éxito tras la publicación de “Highway To Hell”, una oda al frenético estilo de vida del rock and roll con continuo desplazamiento y aparente fiesta eterna. Poco después, aquel disco y sobretodo, su canción homónima parecían ser el preludio del fatal desenlace del vocalista, Bon Scott, quien falleció por intoxicación etílica a principios de 1980.

 

bon scott

 

La desaparición de la carismática figura de Scott sin duda afectó a la banda, que bien pudo desaparecer, lo cual afortunadamente no sucedió entre otras cosas, en ánimos de preservar la memoria de Scott mismo. La sucesión al frente de los AC/DC cayó en los hombros de Brian Johnson, cantante inglés del que el propio Bon había dado las mejores referencias. Para Abril, Johnson ya estaba en la banda, para mayo iban finalizando las sesiones de composición de un nuevo álbum en las Bahamas y el 25 de julio de 1980 salía a la luz “Back in Black”.

El séptimo álbum de estudio de los “anglo – australianos” sería su puerta de entrada al mega estrellato. De la mano mágica del “productor del éxitos”, Mutt Lange, AC/DC logró un sonido supremamente energético con el poder combinado de las guitarras de los hermanos Angus y Malcolm Young, un dinamismo que se podría bien sospechar que se extrajo del punk y el suficiente criterio para coquetear con el pop comercial, pues prácticamente no quedó persona sobre la tierra sin bailar al ritmo de uno de los mejores discos de rock and roll de la historia.

El álbum sin embargo arranca los más tétrico posible. El sonido de una gigantesca campana de bronce anuncia cierta pompa fúnebre. “Hells Bells” bien puede ser lo más “heavy metal” del disco con un tempo más bien lento, tal como el heavy de la época. No pudo haber tenido una mejor fecha de lanzamiento como sencillo que un 31 de octubre. El tema es muy reconocido por ser usado en eventos deportivos, como la clásica entrada al campo de juego del club de fútbol alemán St. Pauli, así como en eventos por ejemplo de la Major League Baseball.

“Back in Black” continúa con un hoy por hoy tradicional himno de estadio. “Shoot to Thrill” es prácticamente indispensable en los set list de los monstruosos conciertos que ofrece la banda. Con el sello característico de ese bajo punzante, perfecto y cuasi mecánico de Cliff Williams, quien sumado a la energética batería de Phil Rudd logran rítmicamente sostener al frenetismo de este clásico, así como de los siguientes temas en el orden del disco: “What Do You Do for Money Honey” y “Givin the Dog a Bone”, temas que hasta podrían rayar en una connotación sexista, pero que bien pueden dibujar una cruda realidad de supervivencia.

Con “Let Me Put My Love Into You”, AC/DC da un respiro al disco con un hard rock que coqueteaba con los años 1970s recientemente clausurados, para dar paso a los mega hits del disco y tal vez, de la historia del grupo. El tema homónimo del álbum, “Back in Black” y “You Shook Me All Night Long” tienen los riffs de guitarras tal vez más conocidos del mundo e infaltables en una celebración rockera, pues no solo son rudos y afilados, sino que a la vez bailables. Con solos inmaculados y un ritmo implacable, obviamente los Young se lucen y dejan una huella indeleble en la historia. Que decir de Brian Johnson con registros vocales impresionantes, nada mal para su debut y de hecho, deja su marca característica que no solo tendría que ver con el aspecto musical, sino incluso en la puesta en escena con su clásica cachucha que sería tan icónica como el traje de colegial de Angus Young.

Con los temas finales del álbum, AC/DC hace un rock más tradicional. “Have a Drink On Me” es muy heavy metal, “Shake a Leg” suena mucho al rock de estadio característico de los 70 y 80, mientras que el cierre con “Rock and Roll Ain’t Noise Pollution” tiene mucho de raíces blues. Un buen remate para un disco que en general va a buena velocidad.

Siempre de “Back in Black” se habla no únicamente de su legado como una piedra angular del sonido hard rock de lo que en ese entonces era la naciente década de los 1980s, sino su suceso mediático y comercial. Siempre catalogado como “el segundo álbum más vendido de todos los tiempos”, oficialmente se le cuenta 29.4 millones de copias vendidas, aunque se habla de más de 50 millones, lo cierto es que solo en Estados Unidos certificó disco de platino en 25 ocasiones, logro recién alcanzado el 2019, lo que habla de una pieza musical que simplemente no pasa de moda.

AC-DC-1980-II

 

AC/DC tuvo su definitivo golpe comercial con “Back in Black” sobreponiéndose a lo que se supondría sería su fin, pero más bien sería el comienzo de una leyenda.

 

Back In Black – 1980 – Atlantic

back in black

  • Hells Bells
  • Shoot to Thrill
  • What Do You Do for Money
  • Given the Dog a Bone
  • Let Me Put My Love into You
  • Back in Black
  • You Shook Me All Night Long
  • Have a Drink on Me
  • Shake a Leg
  • Rock and Roll Ain’t Noise Pollution
Edison Guapaz Zambrano

Un Grito Furioso de Mujer

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A mediados de la década de los noventa, mientras el grunge iba perdiendo su dominio en las carteleras y radios, lo que “no pasaba de moda” era el descontento, fue entonces cuando una voz admirable se dio a conocer en el mundo entero con una fuerza demoledora no solo por el talento natural, sino también, desde el punto de vista comercial.

 “Jagged Little Pill” vio la luz en la audiencia el 13 de junio de 1995, siendo el tercer disco publicado por la cantante y actriz canadiense Alanis Morissette, aunque fue el primero en darse a conocer internacionalmente con un éxito sorprendente. A la extraordinaria performance de Morissette, se sumó la participación en la escritura y producción del estadounidense Glen Ballard, involucrado en varios éxitos de consagrados artistas pop como Michael Jackson o Paula Abdul. El proceso de producción duró más de un año entre sesiones de demo, producción post – producción, con los mejores resultados posibles.

En el verano de 1995, Alanis con la canción “You Oughta Know” hace su presentación al mundo con lo que se interpreta como una furiosa descarga contra un ex novio, la cual apunta hacia el actor Dave Coulier (famoso por ser Joey Gladstone en el sitcom “Full House”), con quien Alanis sostuvo una relación antes de grabar el disco. Coulier no ha sido claro en admitir ser el sujeto de este temazo o no, pero lo importante es lo musical. Para imprimir la fuerza necesaria a esta metralla de sensaciones, Ballard reclutó a Dave Navarro (Jane’s Addicition y Red Hot Chili Peppers) para la guitarra y Flea (RCHP) para el bajo con resultados sensacionales.

Morissette no se guardó nada para la ejecución de la canción en incluso sus letras explícitas como “How quickly I was replaced And are you thinking of me when you fuck her?” fueron objeto de censura en medios donde se promocionó el tema. Obviamente la crudeza con la que fue tratado este supuesto desengaño amoroso concitó la atención de millones de jóvenes decepcionados, especialmente jovencitas. Fue la despedida de la canadiense del “pop de algodón de azúcar” interpretado con anterioridad, situación incluso parodiada en el sitcom “How I Met Your Mother”, en su recordado capítulo “P.S. I Love You”.

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Con el impacto que significó “You Oughta Know”, el álbum se disparó en emisiones y ventas. Fue momento para promocionar el siguiente sencillo. “Hand In My Pocket” empezó a rotar en el otoño boreal de 1995. Un tema más lento, pero a la vez muy poderoso llenó de poesía e inteligencia que indudablemente transite con autenticidad su propia situación.

 

I’m broke but I’m happy, I’m poor but I’m kind
I’m short but I’m healthy, yeah
I’m high but I’m grounded, I’m sane but I’m overwhelmed
I’m lost but I’m hopeful, baby
What it all comes down to
Is that everything’s gonna be fine, fine, fine
‘Cause I’ve got one hand in my pocket
And the other one is giving a high five

 

La sobresaturación de efectos de una guitarra hipnótica y la armónica de Alanis son un complemento perfecto entre lo clásico y el sonido noventero en ese entonces vanguardista. El productor Ballard manifestó haberse gratamente sorprendido del brillo de Morissette.

Desde febrero de 1996 se promocionó otro espectacular hit del álbum. “Ironic” tiene una divertida letra en la que Alanis expresa los momentos contradictorios y tal vez desilusionantes de la vida. Hoy por hoy es una icónica balada noventera que al más puro estilo de sus tiempos conjuga perfectamente los tempos lentos para dar pasó a la tensión, utilizando guitarras acústicas y órganos en juego con las distorsiones. Su videoclip es también uno de los más recordados de su tiempo en el cual, gracias ala magia de la edición, el espectador puede disfrutar de 4 estados de ánimo de Alanis Morissette en uno mientras está en el viaje de su vida (la metáfora de la conducción del auto).

Recientemente el videoclip fue editado en 4K.

Ya era verano boreal de 1996 y “Jagged Little Pill” había sido tremendo suceso alrededor del mundo. Entonces se promocionó el sencillo “You Learn” que con baterías programadas y una suave guitarra con efectos tipo fuzz y un beat más bien lento marcó una forma de hacer pop – rock para finales del siglo XX, así como el siguiente sencillo que fue “Head Over Feet”, donde también se destaca a Morissette en la ejecución de la armónica.

“Jagged Little Pill” arranca con el que fue su último sencillo promocional que fue “All I Really Want”. Una descarga de guitarras mitad funk y mitad grunge, más su armónica y una consistente batería programada que hoy se reconoce como una típica estructura de música noventera. Temas como: “Perfect”, “Mary Jane” o “Not The Doctor” destacan por su tratamiento mayormente de guitarras acústicas, mientras la dinámica muy de la época entre momentos calmados e intensos se aprecia en “Forgiven”, “Right Through You” o “Wake Up”. El sonido de la época queda mayormente expresado en casi todos sus matices en esta maravillosa obra de arte.

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“Jagged Little Pill obtuvo varios reconocimientos del mercado y la academia. Certificando múltiples discos de platino en América, Europa y Asia, el disco ha vendido más de 30 millones de copias y contando, lo que lo coloca como uno de los álbumes más exitosos de los años 90 y de la historia. En 1996 ganó el álbum del año y el mejor álbum de rock en los premios Grammy, mientras que “You Oughta Know” ganó mejor performance de rock femenina y mejor canción de rock.

“Jagged Little Pill” marcó el camino para la producción del pop y rock femenino por lo menos para los siguientes 20 años. Varias de las más famosas artistas del momento reconocen su influencia y legado.

 

Jagged Little Pill – Reprise – 1995

 

jagged little pill

  1. All I Really Want
  2. You Oughta Know
  3. Perfect
  4. Hand in My Pocket
  5. Right Through You
  6. Forgiven
  7. You Learn
  8. Head over Feet
  9. Mary jane
  10. Ironic
  11. Not the Doctor
  12. Wake Up
Edison Guapaz Zambrano

La Cima del Sonido Sintético

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Este 19 de marzo se cumplieron 30 años desde la aparición de “Violator”, disco que se podría catalogar como el trabajo más exitoso de la banda inglesa Depeche Mode. Sin duda fue la cima de una carrera que si bien es resplandeciente, difícilmente alcanzó el reconocimiento de aquellos días.

Se iban acabando los años 80, época en que los oriundos de Basildon fueron ganando fama y fortuna. La cima de esta frenética carrera fue documentada en “101” para audio y video, cuando una insólita marea de personas abarrotó el Rose Bowl de Pasadena para romper los mitos de un estilo musical al que supuestamente el público norteamericano era hostil. De todas formas, la conquista del otro lado del charco a Depeche Mode le costó sudor y lágrimas.

Pero el público norteamericano así como es exigente es sumamente grato y este puñado de ingleses supo acomodar el mercadeo con la inspiración artística, dando como fusión perfecta la canción tal vez más difundida y exitosa de su hoy por hoy extenso catálogo. Hablamos de “Personal Jesus”. El primer sencillo que fue publicado de hecho a finales de la década de los 80.

 

Se trataba de una canción algo extraña para el común material de la banda, pues su instrumento principal de hecho es una guitarra, cuando habían acostumbrado a sus seguidores durante años a la sinfonía de sintetizadores y cajas de ritmo. Una guitarra puntual, punzante, obsesiva y tal vez con mucho de tradición norteamericana en su ritmo y notas. Tal es el guiño hacia el gran público del país del norte que el videoclip promocional recrea descaradamente al viejo oeste. Esto sumado al perfecto compás de máquina inglesa dieron como resultado uno de los grandes clásicos del rock.

El segundo sencillo tiene un poco más de los juguetes electrónicos con los que habían hecho tanta magia en los 80, sin embargo, en “Enjoy The Silence” también hay una guitarra muy oportuna que le da ese ambiente de fiesta pero también introspección y debate filosófico que encierra un impresionante contenido lírico en el que básicamente habla del poder y a la vez la banalidad de la palabra. Al igual que “Personal Jesus”, “Enjoy The Silence” es otra genialidad del director y fotógrafo holandés Anton Corbijn, mente maestra de buena parte de la puesta en escena visual de Depeche Mode a lo largo de los años. La eterna búsqueda y la comodidad de la soledad hasta cierto punto.

 

En este punto habrá que destacar la solidez que como compositor había alcanzado Martin Gore, quien supo añadir nuevos instrumentos y posibilidades al sonido de la banda, además de optar por bajarle al tempo para entrar con gloria a la nueva década. David Gahan había alcanzado el mejor estado de su voz de barítono para otorgar energía y solemnidad a las canciones.

Ya en la primavera boreal de 1990 se publicó el siguiente promocional, “Policy Of Truth” en el cual la inmensa recursividad tecnológica los hace capaces de dominar un universo impresionante de sonidos sintetizados con las armonías a cargo de Alan Wilder más su fino olfato con la programación y beats y el ritmo acertado de Andrew Fletcher en los bajos sintetizados, con otra canción que hablaba de ética y el amargo mundo de los adultos, tal como lo hacían en varias ocasiones en los ochentas aunque esta vez con un sonido evidentemente más rico y maduro.

El último sencillo promocional y a la vez tema de apertura del álbum es “World In My Eyes” que un poco es el nexo entre el Depeche Mode ochentero y noventero al predominar aquel característico bajo sintetizado un poco remanente de “Music For The Masses”, su LP anterior, e integrarlo a un universo más complejo de sonidos programados. Otro tema que sigue por esa misma onda es “Halo”, que también digamos está entre las canciones más divertidas de este mas bien introspectivo disco.

“Violator” de hecho está lleno de momentos taciturnos como la muy oscura “Sweetest Perfection”, cantada por Martin Gore al igual que la algo claustrofóbica “Waiting For The Night”, “Blue Dress” que preparaba el camino para el sonido más bien alternativo de los años 90 y el cierre maestro con “Clean”, un tema que transpira redención y sería un símbolo más adelante para David Gahan y su batalla contra la drogas.

Depeche Mode1990

“Violator” llegó justo a tiempo, en momentos en que todo era sumamente cambiante, desde la política hasta el arte. Su gira el, “World Violation Tour”, tuvo un multitudinario éxito e incluso generó caos y problemas de manejos de masas y orden público en algunos puntos de la misma.

Se calcula que “Violator” vendió más de 13 millones de copias y fue disco número uno en las listas de países como: España, Grecia, Francia y Bélgica. En Su Reino Unido natal fue número 2 y la mejor posición en el Billboard 200 fue séptima.

Violator – Sire – 1990

dm violator

  • World In My Eyes
  • Sweetest Perfection
  • Personal Jesus
  • Halo
  • Waiting For The Night
  • Enjoy The Silence
  • Policy Of Truth
  • Blue Dress
  • Clean
Edison Guapaz Zambrano

Canciones de Las Gradas – Copas Sudamericanas

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En el año pasado, CONMEBOL implementó finales únicas para sus competiciones de clubes, buscando se diría, de alguna manera, emular a sus pares europeos. Debido a situaciones políticas y climáticas, finalmente ambos eventos rotaron de sede y más allá de este hecho, también quedó en el recuerdo del aficionado un par de canciones que se mostraron en el espectáculo previo a dichos encuentros. El espectáculo previo también, emulando a Europa o Estados Unidos, pero con el toque sudamericano.

Entonces, se concibió que haya músicos representantes de cada club involucrado en los juegos. En el partido final de Copa Sudamericana celebrado en “La Olla” de Asunción el escenario fue compartido por los ecuatorianos “La Vagancia”, quienes interpretaron un tema compuesto para Independiente del Valle, mas la atención del continente entero se la llevó el veterano conjunto de cumbia santafesina “Los Palmeras”.

Este grupo oriundo de Santa Fe, Argentina, entonó una versión adaptada de su tema “El Parrandero” que forma parte del álbum “Un Toque Diferente”, publicado en 1997. “Soy sabalero” básicamente cambió la parranda por la devoción a Colón de Santa Fe y la respetable banda con medio siglo de trayectoria, ayudada por el fervor de 40 mil paisanos, se hizo de fama internacional.

Una versión junto a otra figura de la canción del interior argentina como «La Mona» Jiménez

Ciertamente, la gente de Santa Fe fue protagonista en las gradas. En le cancha ampliamente mandó el club ecuatoriano.

“Vamos, vamos, vamos millonarios…” es una tonada pudo haber llamado la atención en varios hinchas del fútbol alrededor del continente, pues este homenaje previo a River Plate en su partido final ante Flamengo por Copa Libertadores es coreado de hecho por varias barras en Argentina y Sudamérica.

En este caso, la banda argentina Turf presentó en el Monumental de Lima una versión que ya venía siendo adaptada desde hace algunos años en las canchas de su país. “Pasos al Costado” es el tema original y uno de los éxitos del disco que publicó este grupo bonaerense llamado “Para Mí, Para Vos” en el 2004 y supuso su mayor éxito comercial, aunque poco después tendrían un largo distanciamiento sus integrantes.

Muy originalmente publicitado con este sencillo pero simpático videoclip

Por el lado de Flamengo actuó “Gabriel O Pensador” con una versión rapeada del himno del Mengão, actual campeón de la Libertadores. Previo a este duelo musical, no hubo mejor manera de arrancar el show que con “Y Dale Alegría a Mi Corazón”, un clásico de Fito Páez que incluso a traspasado el Océano Atlántico y la barrera del idioma futbolísticamente hablando. Pero eso merece otro post.

Edison Guapaz Zambrano

Obituario 2019

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Como en cada año, es momento de recordar a quienes nos dejaron en el año que acaba de finalizar, tomando en cuenta que nuestra página se dedica más al fútbol y los deportes.

El mundo del automovilismo perdió a uno de sus legendarios como fue el campeón de Fórmula Uno, Niki Lauda. El deportista austríaco logró los máximos títulos de la categoría en los años 1975, 1977 y 1984, formó parte de las escuderías gigantes de la competición como Ferrari y McLaren habiendo conseguido 25 victorias en su carrera. Su salud fue un problema desde que sufriera aquel terrible accidente en Nürburgring que casi le cuesta tempraneramente la vida.

El fútbol se entristeció tras la defunción de campeones del mundo como el legendario portero inglés Gordon Banks, campeón en 1966 y el defensa argentino José Luis Brown, campeón en 1986 y autor del primer gol de la final del mundial mexicano. También falleció Phil Masinga, uno de los clásicos futbolistas sudafricanos.

En Ecuador hubo conmoción por la tempranera partida de jóvenes futbolistas que apenas despegaban en la actividad. A mediados de año Mauricio Quiñónez fue víctima de homicidio mientras que a finales de 2019 Edison Realpe perdió la vida en un accidente de tránsito. En el mundo hubo tragedias similares como el deceso del futbolista argentino Emiliano Sala a inicios de año en un misterioso accidente de aviación mientras estaba en el papeleo de un nuevo club. También se lamentó la partida del jugador español José Antonio “La Perla” Reyes en un accidente automovilístico.

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Ciertamente el aficionado del fútbol ecuatoriano sintió la muerte y a la vez recordó profesionales que fueron parte del campeonato del país. En este año nos dejaron: Óscar Malbernat, uno de los clásicos jugadores de Estudiantes de La Plata y que fue Director Técnico de: Deportivo Quito, Barcelona SC, El Nacional y LDU. Héctor Rivoira, DT en Liga Deportiva Universitaria a inicios de siglo. Carlos Squeo, quien formó parte de cuerpos técnicos en Barcelona. Julio Toresani, quien lamentablemente se suicidó y fue DT de Mushuc Runa. Gerardo Traverso, quien jugó en Barcelona SC en el 2000.

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En Ecuador fallecieron importantes dirigentes políticos como el también político Alejandro Serrano Aguilar, vinculado a Deportivo Cuenca y el Coronel Galo Barreto, por años gerente de AFNA. En el continente partieron el controvertido Nicolás Leoz, quien durante mucho tiempo estuvo al frente de CONMEBOL y el empresario mexicano Jorge Vergara, vinculado a Chivas de Guadalajara.

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El mundo de la pantalla a nivel global perdió al director Franco Zefirelli, a la recordada actriz Doris Day y al galán noventero Luke Perry.  La moda dejaron dos grandes de su industria como Karl Lagerfeld y Emanuel Ungaro. La música perdió íconos pop como el cantante Eddie Money, a Ric Ocasek, líder y vocalista de la banda “The Cars”, Keith Flint, integrante de la banda británica electrónica “The Prodigy” y a la querida Marie Frederiksson, vocalista del dúo sueco “Roxette”.

La cultura popular hispanoamericana sufrió grandes pérdidas como el omnipresente astrólogo Walter Mercado, a muy queridas actrices de telenovelas como Christian Bach y Edith González y hay que recordar mucho a 2 dulces voces que se perdió en al año recientemente finalizado como el ídolo español Camilo Sesto y el gigante mexicano José José, recordado por clásicos indiscutibles por el interpretados como “La Nave del Olvido”, “El Triste” o “40 y 20”.

 

La política tuvo sus importantes remezones. En Latinoamérica fallecieron los ex Presidentes de Argentina, Fernando De La Rúa y de Perú, Alan García. En el mundo partió el ex mandatario francés Jacques Chirac y el por décadas máximo líder de Zimbabue, Robert Mugabe.

Jorge Aguirre

Discos Imprescindibles: Led Zeppelin II

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Hace 50 años salió al mercado el segundo y definitivo disco de Led Zeppelin: “Led Zeppelin II”. Considerado como uno de los discos más influyentes en la historia del rock, siendo su sonido catalogado por los críticos musicales como una de las producciones que sentaría las bases del hard rock y el heavy metal a pesar que mantiene las bases del blues. Se pueden apreciar las progresiones de guitarra de Page hacia sonidos más duros y experimentales.

Las grabaciones iniciaron en abril de 1969 y terminaron en octubre del mismo año, fue producido por su guitarrista Jimmy Page e introducido al mercado por Atlantic Records. Las canciones fueron concebidas durante su gira por Europa y Norteamérica, en condiciones muy particulares según lo cuenta Robert Plant: “fue realmente una locura. Estábamos escribiendo los temas en las habitaciones del hotel, y luego debíamos ir a Londres a grabar la parte rítmica, añadir la voz en Nueva York, grabar la armónica en Vancouver y luego, para finalizar la mezcla, volver a Nueva York».

La carátula del álbum está inspirada y toma una vieja fotografía de la Undécima División Jasta de la Fuerza Aérea Alemana durante la Primera Guerra Mundial, el “Circo Aéreo” conducido por Manfred von Richthofen, el Barón Rojo, introduciendo en la misma las caras de los integrantes de la banda.

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El repertorio del disco inicia con la apoteósica “Whole Lotta Love”, quizá la segunda canción más conocida de la banda luego de Starway to Heaven. Generó controversia por estar basada en la canción “you need love” de Muddy Waters. Uno de los riffs más repetitivos y más reconocibles de Page, conforme avanza la canción se viene una mezcla de batería, gritos de Plant y el uso del “theremín” que le dieron una mezcla única a la canción que remata con un ingreso ruidoso de la batería de Bonham la guitarra de Page para terminar con una interpretación digamos “orgásmica” de Plant sobre la final de esta dura canción de amor.

What is and what should never be” es el Segundo corte con un ambiente de psicodelia por la manera como fueron grabadas las voces de Plant y donde destaca el bajo del gran John Paul Jones acompañado de un solo de Page con gran uso del slide durante el mismo. La letra similar al primer corte trata de una historia de amor escrita por Plant y que habla de una supuesta relación que tuvo este con la hermana menor de su esposa.

En The Lemon Song el blues se hace presente, pero con la marca de la banda (musical y líricamente), con una interpretación descomunal del bajo de Jones quien en alguna entrevista dijo que no siguió ningún patrón o acordes previamente escrito, sino que fue improvisado.

Thank You talvez el tema más íntimo del disco (y uno de sus temas más versionados por artistas como Duran-Duran, Tori Amos o Chris Cornell), una balada escrita por Plant. Destaca su hermosa letra y el sonido del órgano tocado por Jones: “If the sun refused to shine, I would still be loving you, when mountains crumble to the sea, there will still be you and me”.

Heartbreaker: Otros de los temas mas reconocibles de la banda, el sonido del riff de la guitarra de Page acompañada de la base rítmica de Bonham y Jones se acoplan perfectamente mientras la voz de Plant se va uniendo de a poco, sobre la mitad de la canción, similar a lo que pase con Whole Lotta Love, se hace un quiebre para iniciar un solo de espectacular de Plant que culmina con la irrupción del bajo y la batería de la banda para arrancar un nuevo solo, nueva pausa y la voz de Plant para cerrar la que en mi opinión es la mejor canción de disco.

Living loving maid (She’s Just a Woman), nos cuenta la historia de una “groupie” que acechó a la banda. Tal vez el tema que menos se destaque de todo el disco (nunca fue tocada en vivo por que no fue del gusto de Page).

Ramble On Co escrita por Page y Plant nos sumerge en el mundo fantástico de J. R. R. Tolkien: “When magic filled the air, ‘T was in the darkest depths of Mordor, I met a girl so fair,but Gollu”m, and the evil one crept up and slipped away with her, her, her, yeah, Ain’t nothing I can do, no”. La canción muestra nuevamente el gran ensamble entre Bonham (quien toca durante varias partes de la canción un tacho de basura) con Bohamn quienes van llevando el ritmo de la canción.

Moby Dick: O el momento de John Bonham. Al inicio de la misma es acompañado de la guitarra de Page que lanza varios riffs hasta que desaparece sobre el minuto 1:03 para dejar que el mítico baterista haga el resto (con versiones en vivo más largas y complejas). Canción obligada para quienes se están iniciando o gustan de la batería.

El disco cierra con Bring It On Home, canción adaptada de Willie Dixon, la misma que inicia con la introducción más blusera del disco, el bajo de Jones se une a la armónica y versos de Plant durante los primeros minutos de misma (lo que fue una homenaje a Sonny Williamson quien la interpretó en 1966), para dar paso a la guitarra de Page, la batería de Boham y el acople final de la banda, sobre el final de la misma se cierra de la misma manera con un sonido básico de blues.

Te dejo la versión de Williamson.

Disco imprescindible en la historia de la música, que debe ser cabecera de cualquier melómano.

Led Zeppelin II – Atlantic – 1969

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Whole Lotta Love
What Is and What Shuld Never Be
The Lemon Song
Thank You
Heartbreaker
Living Loving Maid (She’s Just a Woman)
Ramble On
Moby Dick
Bring It On Home

Edison Guapaz Zambrano

De Vuelta a la Senda Legendaria

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Uno de los discos que dieron lustre al cierre del siglo pasado cumplió 20 años de existencia el 8 de junio de 1999. Californication significó un reinicio hacía un camino que ya lucía próspero pero tal vez, tuvo un bache hacia mediados de los noventa entre los problemas de alineación en los Red Hot Chili Peppers.

«Californication» marcó principalmente el retorno a la banda del guitarrista John Frusciante, quien ha sido el músico que más tiempo ha estado a cargo de este instrumento en el ensamble californiano, tras 6 años de ausencia. Con Frusciante volvió el funk y la melodía dejando atrás el experimento un poco más denso de Dave Navarro ocupándose de la viola.

“Californication” es un extenso álbum de 15 temas grabado desde finales de 1998, tras cristalizarse los jams entre Frusciante y Flea. El primer sencillo con el que este álbum haría su presentación salió al público en mayo de 1999. “Scar Tissue” como es recurrente en el grupo californiano, habla de las complicaciones de la adicción a las drogas. Los cálidos y a la vez melancólicos riffs de guitarra de Frusciante, a la vez de los intensos solos son el hilo conductor de la canción. Tal como se lo aprecia en el videoclip junto a sus compañeros de banda, los cuales aparecen con lastimaduras. Tal vez símbolo de un doloroso camino y reunión.

With the birds I’ll Share This Lonely Viewin’…

 El disco abre con “Around The World” y una reconocible marca de los Chili Peppers que es el impecable e hipnotizante trabajo de Flea en el bajo. Su interacción con un estilo casi “rapeado” en el canto de Anthony Kiedis se hacen algo similares a lo que sucedía en el exitoso álbum predecesor “Blood Sugar, Sex Magik”, último disco en el que había estado presente Frusciante. Este tema apareció como sencillo ya en el otoño boreal de 1999 e iba también reclutando a fanáticos “vieja escuela” del grupo.

Había llegado el nuevo milenio y los logros positivos en cuanto a críticas y ventas de “Californication”. En enero de 2000 se lanza el tercer sencillo de la banda que se fue convirtiendo en uno de sus clásicos. “Otherside” es un emocionante viaje en el que la intercalación entre momentos relajados y acelerados en la interpretación suena muy noventera y a la vez muy energética. La letra más o menos es una lucha interna y melancólica sobre lo difícil que puede ser dejar atrás ciertos aspectos (¿adicciones tal vez?) de la vida o dolorosamente mantenerlos. Absolutamente todos se lucen, un tono entre agresivo y arrullador de Kiedis, la sutil guitarra de Frusciante, el constante camino marcado del bajo de Flea y la batería sobretodo usando mucho los redobles, con los que Chad Smith logra más suspenso.

En mayo del 2000 se presentó como sencillo el tema homónimo de la banda. “Californication” describe con crudeza el acelerado y oscuro mundo de Hollywood y la fama. La venta de un sueño de vida que ha terminado siendo pesadilla tanto para famosos como para quienes no han llegado a hacerlo. La deformación del mismísimo sueño americano. La canción tiene justamente un ritmo taciturno, casi onírico entre la técnica de redobles de Smith y desgarradores solos de guitarra. Su riff que acompaña a las estrofas tiene un diálogo decididamente sabroso entre guitarra y bajo. Verdaderamente una cima creativa.

En este tema es un punto aparte hablar de su videoclip. Aprovechando el auge de los 64 bits en los videojuegos, la banda se presenta dentro de uno en el cual atraviesan por psicodélicas aventuras en una California que está camino a la destrucción. A su tiempo fue un guiño futurista.

 

It’s understood that Hollywood sells Californication

 

El último sencillo que se publicó en la promoción de este muy exitoso álbum fue “Road Trippin’”, en el que se utilizó mayormente instrumentos acústicos, aunque la cinematica “Parallel Universe” tuvo difusión en radios una vez alcanzado el 2001.

Californication fue un guiño a lo que iba a pasar con el sonido de los Chili Peppers en el Siglo XXI, esto se puede advertir en temas como “Savior”, “I Like Dirt” o “Easily”, que son temas más melódicos y con progresiones más complejas, más también hubo guiños de su sonido paso e incluso ochentero como “Get On Top” o “Purple Stain” donde aún la guitarra funk y el fraseo rápido de Kiedis son elementos característicos. Constituye la bisagra definitiva en la que pasaron del rock alternativo al mainstream.

En cuanto a galardones, “Californication” ha sido el álbum más exitoso comercialmente de la banda, con más de 15 millones de copias vendidas alrededor del mundo, habiendo certificado 6 discos de platino en Estados Unidos y 4 en Europa. En las lista de 200 de Billboard llegó a la tercera posición y alcanzó el 1 en lugares como Australia, Nueva Zelandia, Suecia o Finlandia. Además, “Scar Tissue” ganó el Grammy a Mejor canción de rock en el año 2000.

Red Hot Chili Peppers backstage during The 2000 My VH1 Music Awards at Shrine Auditorium in Los Angeles, California, United States. (Photo by KMazur/WireImage)

Red Hot Chili Peppers backstage during The 2000 My VH1 Music Awards at Shrine Auditorium in Los Angeles, California, United States. (Photo by KMazur/WireImage)

Este fue una de las grandes anclas a las que se aferró el rock, en momentos donde el pop adolescente gobernaba las carteleras y un impulso definitivo a una banda californiana que ha pasado duros momentos y sin dudo su talento e inspiración merecieron los días mejores de los que hasta el momento goza.

Californication – 1999 – Warner Bros.

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1. Around The WOrld
2. Parallel Universe
3. Scar Tissue
4. Otherside
5. Get on Top
6. Californication
7. Easily
8. Porcelain
9. Emit Emmus
10. I Like Dirt
11. This Velvet Glove
12. Savior
13. Purple Stain
14. Right on Time
15. Road Trippin

Edison Guapaz Zambrano

Canciones de las Gradas (Parte 8)

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“Jugadores … la c* de su madre … a ver si ponen huevos, que no juegan con nadie…” Este es un agresivo cántico que barras en Ecuador y América entonan en señal de desaprobación al accionar de su equipo cuando va perdiendo u obteniendo un resultado poco favorable y que bajo el experto ojo de la hinchada (?) es culpa de falta de voluntad de los futbolistas que están en ese momento vistiendo los sagrados colores del equipo de sus amores.

Pero, ¿Acaso alguien se preguntó de dónde sacaron esa melodía? Nuevamente la respuesta está en la música popular contemporánea y no en la creatividad melódica del barrista. El acostumbrado “Jugadores” toma su melodía de “It’s a Heartache” interpretada por la cantante galesa Bonnie Tyler.

“It’s a Heartache” forma parte del segundo álbum de la cantante titulado “Natural Force” que vio la luz en 1978. El tema fue el segundo sencillo promocional del álbum y es uno de los más conocidos de Tyler. Tanto así que ha sido objeto de múltiples versiones, pero quizás la que deriva en el conocido cántico es la de la banda punkera argentina “Fun People”. Así tal vez se puede explicar el fuerte tono con el que se la entona.

Entonces así fue como un tema apacible y armonioso terminó siendo una de las arengas más beligerantes que se puede encontrar cada semana en las canchas. Sin embargo, no es precisamente un invento sudamericano la versión futbolera de “It’s a Heartache”. En un tono más… digamos optimista, los hinchas del Celtic de Escocia re versionaron el tema con una letra que hace homenaje al campeonato europeo que obtuvieron en 1967 ante el Inter de Milán en Lisboa. Por ello se llama “In The Heat of Lisbon”.

Hablando plenamente de “It’s a Heartache”, alcanzó el número uno en las listas de popularidad de países como Argentina, Brasil, Australia, Canadá, España, Francia o Finlandia. En tanto que en el prestigioso “Billboard Hot 100” de los Estados Unidos llegó al tercer puesto y se estima que el sencillo vendió aproximadamente 6 millones de copias alrededor del mundo. Nos quedamos entonces con la versión original.